viernes 20 de noviembre de 2009

DAVID LIGARE








































David ligare (nacido en 1945) es un realista contemporáneo de América pintor. Desde 1978, se ha centrado en la pintura de bodegones, paisajes y figuras que son informados por la antigüedad greco-romana. Entre sus influencias declaradas son la estética y filosófica de las teorías de Policleto escultor griego y el matemático y filósofo Pitágoras, así como los trabajos de la 18a-clásico del siglo pintor Nicolás Poussin. Un residente de Salinas, California,, Sus pinturas representan a menudo el terreno de la costa central de California en el fondo.



Ligare nació en Oak Park, Illinois,. Recibió su formación artística formal en la Art Center College of Design en Los Angeles. Sus pinturas se encuentran en las colecciones de la Museo de Arte Moderno, Nueva York,Museos de Bellas Artes de San Francisco, San Jose Museum of Art, Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi, Florencia, y Museo Thyssen-Bornemisza de Arte, Madrid.





miércoles 18 de noviembre de 2009

Españoles en el Carrusel du Louvre


Del 10 al 13 de diciembre tendrá lugar la exposición internacional en el Louvre,”Carrousel du Louvre”, sala Le Notre, organizada por la “Société National des Beaux-Arts” (fundada en 1890 y reconocida de Utilidad Pública por Decreto del 4 de Marzo de 1909) y patrocinada por el Presidente de la República francesa, Nicolás Sarcozy. Alrededor de 600 obras, entre pintura y escultura seleccionadas por la “Société National des Beaux-Arts”.

España participa por segunda vez en este encuentro internacional en Francia. En la anterior edición de 2008 fueron doce artistas españoles quienes representaron a España, entre ellos la pintora Marta Casals consiguió una Mención de medalla de Bronce. Este año serán veinticuatro artistas seleccionados procedentes de diferentes comunidades autónomas españolas.

Esta es la selección oficial de los participantes españoles:
Marisa Espinosa
Carmen Junyent
José Ramon Lobez Millán
José Ramon del Río
Maria Térésa Aroz
Pepe Madrid
Miguel Ponticu
Inès Rosal Taberner
Paco Yuste
Pepa Herrera
Aurora Cano Maro
Joan Pujol Maso
Ana Pérez Moreno
AngelesMaso Portabella
Carmen Berges
Miguel Cabre Cazcarra
Jacqueline Martín Miller
Javier Abrego
Antonio Zumaquero Gil
María José Herrera
Gerard Valls
Carmen Guerra Vegas
Merdeces Dominguez
Vicente Heca



Marisa Espinosa, Carmen Junyent, José Ramon Lobez Millán, José Ramon del Río, Maria Térésa Aroz, Pepe Madrid, Miguel Ponticu, Inès Rosal Taberner, Paco Yuste, Pepa Herrera, Aurora Cano Maro, Joan Pujol Maso, Ana Pérez Moreno, Angeles Maso Portabella, Carmen Berges, Miguel Cabre Cazcarra, Jacqueline Martín Miller, Javier Abrego, Antonio Zumaquero Gil, María José Herrera, Gerard Valls, Carmen Guerra Vegas, Merdeces Dominguez, Vicente Heca

La inquietud artística como motivación

Pepa Herrera. Pintora.

La obra ‘La luz aparece’ de esta artista sevillana ha sido seleccionada para formar parte de la delegación española en el ‘Carrousel del Louvre’, que se celebrará en diciembre. Además, prepara otro proyecto en París para el próximo año
Siempre con la inquietud de crear y pintar, estudió Bellas Artes y en 2001 comenzó a presentarse a concursos y acudió a Madrid, donde logró cierto reconocimiento y se abrió el camino para seguir luchando y exponiendo en galerías de todo el país y del extranjero. Para diciembre está previsto que su obra La luz aparece participe junto a otra treintena de artistas de la delegación española en el Carrousel del Louvre de París. “Estoy muy ilusionada y orgullosa, porque allí hay muchos artistas de calidad”, comenta esta pintora sevillana, que acaba de participar en otro proyecto de envergadura en Viena y que prepara otro en París para el año que viene con el grupo alemán Artinternational. “En Alemania no se nota tanto la crisis como aquí, donde afecta mucho a los artistas”, comenta Pepa Herrera sobre las pocas ayudas con las que cuentan los artistas emergentes en España y sobre todo en el sur. “Me gustaría hacer en Sevilla una feria de arte independiente parecido a lo que hay en Alemania, pero en la actualidad es imposible”, lamenta esta artista perteneciente a diversos grupos nacionales e internacionales, formados a través de las redes sociales de internet, como Arcadia 2012 o Sensibilizarte, esta última formada en Málaga y que reúne a 400 artistas de todo el mundo con inquietudes ecologistas y solidarias, que pretenden que el arte no sólo sea algo “estético y anecdótico” para convertirse en una voz contra las injusticias y en favor de los derechos humanos, de los animales y de la tierra.

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martes 17 de noviembre de 2009

Juan Bautista Maino, a quien el arte debe aquella acción que las figuras mueve

El Museo de Prado ofrece una exposición antológica de este gran y desconocido pintor alcarreño del siglo XVII de pincel divino


El Museo del Prado de Madrid acoge desde el pasado 19 de octubre y hasta el próximo 17 de enero (con posible prórroga hasta el día 31 del mismo mes) una exposición antológica del pintor español Juan Bautista Maíno, fraile dominico del siglo XVII. “Maíno, un pintor por descubrir” es el título de la muestra.


La exposición dedicada a Maíno pretende cotejar su trabajo con el de “grandes maestros no sólo españoles” sino también internacionales, debido a “su condición de pintor formado en Italia, en la vanguardia más importante de los años de finales del siglo XVI y principios del XVII”. "Es en esa comparación cómo se ve que Maíno “se codea perfectamente y de tú a tú” con otras grandes figuras de la pintura de esa época, entre las que destaca Caravaggio", según señala Leticia Ruiz Gómez, comisaria de la exposición antológica.



Maíno, pintor original y sorprende, puede ser considerado, con justicia, el primer más importante de la Corte española del siglo XVII, tras Diego de Velázquez, a quien Maíno protegió y promocionó. Es el pintor de la luz, del movimiento, de la vistosidad, de los detalles. Es el pintor del retrato profundo, interior, del rostro que refleja el alma. Es el pintor de la Navidad, más precisamente, el pintor de la Adoración navideña de los pastores y de los magos.


De él escribió Lope de Vega, en su Laurel de Apolo, “Y con pincel divino/Juan Bautista Maíno/a quien el Arte debe/aquella acción que las figuras mueve”. Y de él ha dicho la crítica que “probablemente nadie llegó tan cerca de Caravaggio como este dominico español”.




De la Alcarria a Italia




Sus padres fueron un milanés y una noble portuguesa que estuvieron al servicio de la famosa y controvertida Ana de Mendoza y de la Cerda, Princesa de Eboli. En 1957, se encontró en el archivo parroquial de la colegiata de Pastrana (provincia de Guadalajara, diócesis de Sigüenza-Guadalajara), la partida de bautismo de Maíno, quien recibió las aguas bautismales el 15 de octubre de 15 de octubre de 1581. Once años después, su padre, también llamado Juan Bautista, firma poderes en Lisboa a favor de su esposa Ana de Figueredo para ocuparse de los bienes de la administración de la familia ya que él proyectaba viajar a Angola. Y poco después la familia Maíno se traslada a Madrid.



La siguiente referencia documental de la vida del pintor aparece en el archivo de la céntrica parroquia romana de San Lorenzo in Lucina, cuando bautiza a un hijo natural suyo, Francisco. Y hasta 1611 Maíno permanece en Roma, con más que probables visitas a Milán, Nápoles, Génova y al sur de Francia. En 1609 hay constancia documental de que era “il pittore” de la parroquia romana de Sant`Andrea della Valle.


El 8 de marzo de 1611 Maíno recibe 200 reales para trabajar en el claustro de la catedral de Toledo. También realiza trabajos para la biblioteca del conde Mora de Toledo. El 29 de enero de 1612 comienza su vinculación con la iglesia dominicana de San Pedro Mártir de Toledo, que será desde entonces su epicentro humano, religioso y artístico.


¿Cuándo y cómo se introdujo Maíno en el arte pictórico? ¿Quiénes fueron sus maestros? Los críticos piensan que Maíno aprendió con El Greco, pero no ha podido demostrarse documentalmente. Lo seguro es que se formó en Italia, donde pasó los años que van de 1600 a 1608 y donde conoció la pintura de Caravaggio y de sus discípulos Gentileschi, Reni y Carracci.

Pastrana, Toledo, Madrid, Salamanca

En su vuelta a España, quizás regresa primero a su Pastrana natal, donde da a conocer un estilo que bebe del clasicismo boloñés, del naturalismo y del tenebrismo en una Trinidad pintada para el altar lateral del Monasterio de Concepcionistas Franciscanas del lugar. Lo cierto es que a partir de 1612 y en Toledo, en el citado convento de San Pedro Mártir, nos lega ya sus obras más conocidas e imperecederas con destino al retablo de las cuatro Pascuas, extraordinarios lienzos ahora en el Museo del Prado. Son especialmente reseñables los lienzos de La Adoración de los Reyes Magos y La Adoración de los Pastores, de formato vertical.


El 20 de junio de 163, Maíno ingresó en la Orden de Santo Domingo y vive en el convento toledano de San Pedro Mártir. Ello redujo su actividad artística, aunque a esta época pertenece otra Adoración de los Pastores actualmente en el Museo del Hermitage de San Petesburgo (Rusia) Este tema bíblico fue tratado varias veces por Maíno, y otra versión se guarda en el Museo Meadows de Dallas (USA).


El Rey Felipe III lo llamó a la Corte en 1620 para que fuera maestro de dibujo de su hijo y heredero, el futuro Felipe IV. Era muy conocida y apreciada su especialidad en esta disciplina que aprendió en Italia y desarrolló luego en Toledo. Por entonces Maíno trabó amistad con el gran Diego de Velázquez y Silva, a quien protegió y a quien eligió en un concurso público para pintar el tema de La expulsión de los moriscos. Este cuadro afianzó la posición del joven Velázquez en la corte madrileña, aunque tristemente no se conserva pues resultó destruido en el incendio del Alcázar de Madrid del año 1734.




Desde 1626 consta documentalmente la presencia de Maíno en Madrid, en el convento dominicano de Santo Tomás. Un año después realiza trabajos en Pastrana, donde se empadrona y donde realiza los retratos de Juan Miranda y de esposa, Ana Hernández. En 1629 regresa, de nuevo, a Madrid. Allí inaugura el colegio de Santo Tomás con la pintura titulada Santo Domingo en Soriano. En 1630 recibe el encargado de realizar las pinturas del retablo del oratorio del convento de San Estaban de Salamanca. Se trataba de un espléndido conjunto pictórico, tristemente desaparecido, compuesto por siete lienzos con la Asunción como lienzo central y pertrechado de otros seis santos y santas de la Orden Dominicana.


Sus nuevos encargos le llevan al Palacio del Buen Retiro de Madrid y al convento de San Jerónimo de Espeja de San Marcelino (Soria). Un lamentable episodio le acarrea comparecer ante el Tribunal de la Inquisición, que lo exilia de 1639 a 1641 a Toledo.


Maíno murió en el convento de Santo Tomás de Madrid en 1649. Allí fue enterrado el 1 de abril. Uno de sus discípulos parece fue Juan Ricci.



Pinceladas sobre su obra

Hasta 1957 la crítica había considerado a Maíno un pintor italiano, tanto por su formación en Italia como por el origen de su padre. Casi toda su obra es de temática religiosa, y entra dentro del naturalismo tenebrista de Caravaggio y de su principal discípulo, Gentileschi.


Destacan dos óleos de gran tamaño, pintados ambos en 1612, que hoy se encuentran en el Museo del Prado: la Adoración de los Magos, por un lado, y la Adoración de los Pastores, por otro. En ellos se aprecia la influencia del “caravaggisimo”, que conoció de primera mano durante su visita a Roma, si bien suaviza los rasgos naturalistas y se recrea en las texturas y los materiales lujosos, más de acuerdo con Gentileschi. En dichos cuadros se aprecia una composición abigarrada, a pesar de lo cual tanto las poses como los gestos ofrecen una imagen dinámica y plena de acción y movimiento. Su realismo se deja notar, por ejemplo, en el primero de estos cuadros, en la descripción del rey Baltasar con un tipo africano perfectamente plasmado, de forma que no se puede decir haya sido representado como el estereotipo acostumbrado de europeo teñido de negro. Desde un punto de vista religioso, destaca la actitud de las figuras en inequívocos gestos de adoración y reverencia así como los gestos de María y del Niño Jesús más en posición de dar que de recibir. Maíno compuso asimismo un tercer cuadro de la Adoración de los pastores, que se conserva. Las otras dos Adoraciones de los pastores se hallan en el Prado y en el Hermitage, como ya se dijo.


Revisten igualmente gran calidad, belleza y significación religiosa otros cuadros sobre Pentecostés y una Resurrección de Cristo, los tres en el Museo del Prado, y una Crucifixión, en Zaragoza, en colección particular.


En cuanto a sus pinturas de temas profanos, muy escasas, se cree que ocultan cierto contenido crítico sobre la política y la sociedad de su época que no ha sido todavía bien estudiado; abundan en ellas los símbolos. Destacan en este sentido los dibujos y grabados sobre Felipe IV y el cuadro La recuperación de Bahía, alusivo a una acción militar en el puerto de San Salvador de Bahía (Brasil).



De su actividad como retratista se mencionaba su destreza en las efigies en miniatura, si bien no parecen subsistir y sólo se conocen dos retratos a tamaño natural: un Retrato de un Caballero en el Museo del Prado, y otros de sendos religiosos: Retrato de un monje, en el Ashmoleam Museum de Oxford, con toda probabilidad un autorretrato suyo; y Retrato de fray Alonso de Santo Tomás, que se conversa en Barcelona, en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. También fueron objetos de magnificos retratos San Juan Bautista, San Pedro, Santa María Magdalena, San Antonio Abad, San Jacinto, San Agabo, Santo Domingo de Guzmán, Santa Catalina de Siena, los reyes Felipe III y Felipe IV,, el arzobispo José de Melo, , los citados Juan Miranda y su esposa Ana Hernández o Diego de Narbona.

Escrito por Jesús de las Heras Muela - Director de Ecclesia y Ecclesia Digital
domingo, 15 de noviembre de 2009

sábado 14 de noviembre de 2009

NURIA FONT







Estudié Ilustración en Madrid, me encantan las ilustraciones para cuentos, esas ilustraciones espontáneas y frescas realizadas con acuarelas, lápices de colores y pastel.
De la acuarela busco su rapidez, el juego con el agua, la poesía, conseguir la mancha de una vez para no perder la magia del instante, la creatividad.
Me gusta la fotografía y adoro los reflejos en todas sus manifestaciones, me fascina el agua en cualquier modo y forma, el agua y sus reflejos, agua y color interrelacionandose en las acuarelas.
He realizado varias exposiciones y ganado el Primer Premio de Acuarela Francisco Revelles 2007, en la actualidad investigo nuevas técnicas en la acuarela, pinto, me expreso, me divierto, observo la Naturaleza y sueño con nuevos colores y composiciones.
Esta página "Artistas de la Tierra", me parece un gran hallazgo, por el enriquecimiento que supone pasear por las páginas de otros artístas y poder compartir pareceres y comentarios.




Reflejo



Paya San Vivente de la Barquera



Playa Blanca



Madrid desde el puente de Toledo


PARIS






Enbarcadero


Duna en Texel



Dos pueblos



Bruma en la isla de Texel



Ha nevado

1997 - Técnico Superior de Artes Plásticas y Diseño en ilustración Escuela de Arte de Madrid.
1998 - Diplomada en Fotografía. Instituto de la Mujer de la Comunidad de Madrid. Blanco y negro.
1998- Curso de Cibachrome.Fotografía en color.
1998- Relización de ilustraciones para varios cuentos.
1999 - Trabajos de fotografía para la Comunidad de Madrid.
1999- Realización de Books fotográficos
2000- Dedicacion intensiva al trabajo creativo de Pintura en seda.
2001- Curso de Acuarela con Francisco Noblejas
2002-2004 -Miembro de la Agrupación Española de Acuarelistas de Madrid.
2002- Curso de Acuarela con Olegario Úbeda.
2003- Exposición individual de Acuarela Sala Becuadro de Madrid.
2004- Exposición individual de Acuarela de Caja Madrid en Morata de Tajuña.
2005- Exposición colectiva de Acuarela en Miraflores de la Sierra.
2006- Curso de Pintura China.
2007- Primer premio Francisco Revelles de acuarela. Colmenar Viejo.
2008- Exposición de Dos Acuarelistas, "Puerta de Mar", en la Casa Vasca de Madrid.
2008- Exposición colectiva en el Café-Café de Pinto.


miércoles 11 de noviembre de 2009

En esta sexta edición participarán 150 lugares donde los visitantes podrán disfrutar del arte en todas sus expresiones


En esta sexta edición participarán 150 lugares donde los visitantes podrán disfrutar del arte en todas sus expresiones
Se hará el sábado la Noche de los Museos
10.11.2009 | El dato a resaltar durante la propuesta cultural es la preinauguración del Museo Borges que funcionará en Anchorena 1660 y albergará libros, objetos personales, manuscritos que harán las veces de una pequeña antología de vida y temas principales de la obra del escritor argentino.
La Noche de los Museos se realizará el sábado próximo -entre las 20 y las 2 de la madrugada- y en esta sexta edición participarán 150 lugares donde los visitantes podrán disfrutar del arte en todas sus expresiones.

Bajo el lema "Cultura bajo la luna", el encuentro urbano más importante de la ciudad de Buenos Aires contará con exposiciones, visitas guiadas, cine, video, danza, teatro, música en vivo, charlas, narraciones orales y performances.

Este año se agregaron 35 instituciones y los barrios de Villa Luro, Flores, Colegiales y Coglhan, además de los partidos bonaerenses de Maipú, Vicente López y las provincias de Catamarca y San Luis.

El dato a resaltar durante la propuesta cultural es la preinauguración del Museo Borges que funcionará en Anchorena 1660 y albergará libros, objetos personales, manuscritos que harán las veces de una pequeña antología de vida y temas principales de la obra del escritor argentino.

Sobre la fachada del edificio se proyectará el video "paseo por el Aleph de Borges" que cuenta la historia de la Fundación que lleva su nombre, desde sus comienzos hasta la actualidad.

Se proyectará en la Dirección General de Museos (Avenida de los Italianos 851) una edición del noticiero cinematográfico "Sucesos Argentinos", musicalizado en vivo por Juana Molina, realizado por investigadores del Museo del Cine, Pablo Ducrós Hicken quienes seleccionaron imágenes para una narración posible de Buenos Aires.

También se verán películas del cine mudo nacional con música en vivo a las 21 en los museos: Enrique Larreta, Isaac Fernández Blanco, José Hernández, Eduardo Sívori, Malba, Cornelio Saavedra, Fundación Constantitni y el Histórico Nacional.

De la Noche de los museos participarán también entre 20 y 30 directores de museos del Uruguay que viajaran a participar del evento. Los visitantes podrán diseñar sus recorridos ingresando al sitio: www.lanochedelosmuseos.gov.ar.

CANCILLERIA

Asimismo, el Palacio San Martín, tradicional sede la Cancillería argentina y monumento histórico nacional, abrirá sus puertas la Noche de los Museos, para mostrar al público desde su arquitectura hasta las valiosas colecciones pictóricas y objetos que alberga en su interior.

Con una arquitectura única en su estilo, su colección contemporánea de arte argentino y latinoamericano, su colección de arte precolombino, el Palacio ofrecerá una serie de muestras para los visitantes, que año tras año colman sus instalaciones.

En el Salón Dorado del Palacio, exponente del arte barroco, se podrán apreciar distintos tipos de condecoraciones y elementos de medición para determinar límites y fronteras, entre otros objetos, además de piezas que tiene el Museo de la Diplomacia.

En el Salón Verde, lugar histórico donde se han firmado importantes tratados para la historia Argentina, se exhibirán diferentes documentos del Archivo, como la firma de San Martín, o los legajos de Quinquela Martín y Juan Manuel Fangio, entre otros.

lunes 9 de noviembre de 2009

JOAQUÍN SOROLLA



























































































































































Joaquín Sorolla: Historia de la Vida
Uno de los pintores de arriba a salir de España en el siglo 20 fue sin duda Joaquín Sorolla. Nacido en Valencia en 1863, Sorolla fue criado por su tía y tío, como sus padres murieron cuando tenía sólo dos. Mientras todo se trató de enseñarle los cerrajeros comercial, se le siguen los pasos de su tío, Sorrolla era un apasionado por el arte desde muy temprana edad y se inscribió a sí mismo en la escuela después de las clases de dibujo cuando tenía sólo 11.

16 años de edad entró en Valencia, Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos y procedió a desarrollar su talento artístico. Mientras estudiaba los patrones tradicionales que habían ido antes que él, estaba claro que Joaquín Sorolla había algo distinto que ofrecer al mundo del arte. Su trabajo no siempre se ajustan a las normas tradicionales y se perdió de ganar los concursos para tratar temas no clásico. Sin embargo, a finales de 1880 las cosas cambiaron y Sorolla comenzó a alentar y reconocer como recogió medallas en las competiciones de arte.

1884 vio la cabeza a Roma, donde fue a estudiar pintura clásica. Viajó a París al año siguiente y, como muchos otros artistas en ciernes, fue cautivado por la pujante escena de arte experimental que se encuentran allí.

En 1888 contrajo matrimonio con Clotilde García y al año siguiente volvieron a su patria y se instaló en Madrid. Fue en este punto que Sorolla realmente empezó a tener un nombre para sí mismo como fusionan todas sus influencias y perfeccionó su estilo artístico propio. Pasó el resto de su vida a pintar y viajar extensamente por Europa y los EE.UU., donde obtuvo el reconocimiento internacional.

En 1914 Joaquín Sorolla añadió una muesca académico para el cinturón y comenzó a dar conferencias en color y composición en la escuela de Madrid de Bellas Artes. En 1920 sufrió un ataque de hemiplejía que le paralizó el lado izquierdo. Finalmente murió en Cercedilla en 1923.

Joaquín Sorolla: estilos artísticos e Influencias
Sorolla comenzó su carrera artística con una formación bastante clásica. Fue inspirado y la influencia de muchos de los maestros españoles después de visitar el Museo del Prado de Madrid en 1881, de 18 años. Entre otras cosas, admiraba mucho las técnicas de cuidado de Diego Velázquez y El Greco y esto se hizo evidente en su propia pintura.

Del mismo modo, la delicadeza del arte del Renacimiento clásico y sería de gran importancia para su desarrollo artístico, cuando estudió en Roma, de 21 años.

Sin embargo, el punto de inflexión para Joaquín Sorolla era sin duda su primera visita a París en 1885. En ese ambiente especial artística floreció y fue capaz de ver el arte de ser vivido y creado por sus contemporáneos, en lugar de sólo estudiar las obras de los que habían ido antes. Sorolla estaba intrigado por el movimiento impresionista, que estaba en su apogeo durante este tiempo.

Sorolla regresó a Roma, pero esta vez se tomó las pinceladas gruesas y la suavidad del impresionismo vibrante con él, y comenzó a fusionar estos elementos con su formación clásica. Sorolla ha tocado un tema - algo nuevo estaba surgiendo, algo nuevo y algo que pertenecía a sólo él.

Obras de Joaquín Sorolla se distingue particularmente por la representación de la luz. Pocos artistas dominan muy bien el equilibrio intangible entre claro y oscuro, pero las pinturas de Sorolla producir en forma totalmente transparente y otra vez. En sus últimos años, así como seguir pintando, trabajó en numerosos retratos exquisitos.

Si va a Madrid, Se puede admirar una extensa colección de pintura de Joaquín Sorolla en el Museo Sorolla (General Martínez Campos 37, Metro: Iglesia / Rubén Darío / Gregorio Marañón).



















































domingo 8 de noviembre de 2009

México negocia con España el préstamo de dos Goyas para celebrar Bicentenario.



PARTE FUNDAMENTAL DEL ARTE

México negocia con España el préstamo de dos Goyas para celebrar Bicentenario.



La Comisión del Bicentenario de México trata de conseguir la colaboración para tener varias obras de arte para los festejos, entre ellos dos cuadros de Goya que se exponen en el Museo del Prado, dijo este viernes el director de la comisión, José Manuel Villalpando.

La idea es que formen parte de las "500 obras fundamentales de la Historia de México", que se expondrán en el Palacio Nacional durante un año para conmemorar los dos siglos de la Independencia y el centenario de la Revolución mexicana.

Entre las obras que se traerán desde España están también un retrato del noble y político español Manuel Godoy (1767-1851), de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y dos biombos novohispanos propiedad de la Casa de América.

Asimismo, en México se realiza una selección de obras de los museos del país y en colecciones privadas. Parte de la exposición estará integrada por banderas del Museo Nacional de Historia.

El capitalino Palacio Nacional, antigua residencia presidencial de México y hoy museo, también abrirá las dependencias administrativas y salones emblemáticos al público.

En total hay cerca de 1.700 actividades previstas para conmemorar los aniversarios, organizadas tanto por la Comisión como por las diferentes secretarías de Gobierno, así como por los estados y municipios.

"Haremos una celebración popular importante para los días 15 y 16 de septiembre y 20 de noviembre de 2010", afirmó Villalpando en entrevista.

Alto presupuesto para una importante celebración

El presupuesto que destinará la Comisión a los festejos es de unos 1.500 millones de pesos (unos 112 millones de dólares), aunque otros organismos aportarán recursos adicionales también.

Este noviembre se enfatizará la celebración de la Revolución -el 20 de noviembre- con actividades entre las que destaca un espectáculo multimedia proyectado sobre la fachada de Palacio Nacional.

El espectáculo es similar al que se realizó en septiembre con motivo de la Independencia, cambiando algunas imágenes, y además se han espaciado más las proyecciones para evitar tumultos, como sucedió hace dos meses.

También se encenderá el Fuego del Bicentenario en los diversos estados, después de que en septiembre el presidente Felipe Calderón lo hiciera en la capital.

Estos cien años apenas no han permitido todavía sanar y restañar supuestas heridas y agravios, como sucedió con la Independencia", añadió.

Asimismo, Villalpando afirmó que se editará una Historia de las Independencias Iberoamericanas, en la que tomarán parte Colombia, Argentina, Venezuela, México, España, Bolivia, Paraguay, El Salvador, Ecuador y Chile.

También negó que se estén buscando en París los restos del prócer de la patria mexicana José María Morelos y Pavón, ya que él mismo realizó allí esa búsqueda hace más de diez años con resultados infructuosos.

Con EFE

sábado 7 de noviembre de 2009

Gervasio Sánchez, Premio Nacional de Fotografía





































Gervasio Sánchez, Premio Nacional de Fotografía

75 obras para 75 añosEl MNAC 'invita' a su aniversario al arte catalán disperso por el mundo

75 obras para 75 años

El MNAC 'invita' a su aniversario al arte catalán disperso por el mundo

El 11 de noviembre de 1934 abrió sus puertas el Museo de Arte de Cataluña en el Palacio Nacional de Montjuïc con un conjunto de obras de arte catalán creadas desde el románico hasta el siglo XX. Se cumplen 75 años de esa fecha y el MNAC ha organizado una exposición en el que el arte catalán vuelve a ser el protagonista. Invitados de honor (a partir del 3 de diciembre) reunirá 75 obras de arte realizadas en Cataluña pero que están dispersas en museos y colecciones de todo el mundo y que jamás se habían visto juntas.

La Majestad, de Beget; el retablo gótico de Joan Antigó de L'Escala; un relieve del escultor Pere Oller realizado para el monasterio de Poblet que está en el museo del Louvre; la Anunciación, de Bernat Martorell en Montreal; Mediterrània, de Arístides Maillol, y La Masovera, de Joan Miró en París, son algunas de estas obras que, según explicó la directora del MNAC, Maite Ocaña, "muestran una historia paralela a la de las colecciones del museo". El mismo día se inaugurará la exposición La princesa sabia, que reúne las pinturas sobre Santa Caterina de la catedral de la Seu d'Urgell arrancadas en la década de 1930 y que hoy se pueden ver en Barcelona, Vic y Suiza. Las dos exposiciones serán gratuitas.

En primavera se inaugurará otra de las exposiciones que conmemoran este 75 aniversario: Praga, París, Barcelona, 1918-1948, en la que, mediante 200 fotografías, se explicará la revolución artística de entreguerras que se vivió en Praga y París y que se vio reflejada en la obra de fotógrafos catalanes como Pere Català Pic, Emili Godes y Josep Sala.

Según Ocaña, los actos de aniversario se celebrarán "dentro de un presupuesto de contención", ya que en 2010 se contará con 21,6 millones de euros -el 14% menos que este año-, sobre todo por haber disminuido el alquiler de la sala oval. Frente a estos datos negativos, Ocaña aseguró que han aumentado los visitantes del museo (900.000) y que se había superado la cifra de 2008 gracias, sobre todo, al efecto Sorolla.

Arte naïf Naive

Arte naïf Naive -, y el llamado arte ingenuo, arte primitivo, arte moderno, Primitivo, etc - un segmento especial del arte del siglo XX. Se trata de un grupo independiente de pintores artísticos neškolovanih y escultores de la mitad de un gran número de expresión y de las corrientes del arte moderno. De sí mismo otros autodidacta, de aficionados y popular, arte popular, ingenuo difieren estilo personal siempre reconocible y singularnošću poetičkom, por lo tanto, la excelencia artística.
Ingenuo es un término - tales como los términos y el expresionismo, cubismo, astratizam, dadaísmo, surrealismo, etc - algunos que unen mundos aislados de la creación artística moderna.







John Rabuzin: En las colinas - la selva tropical, 1960.



Naiva plazo se adoptó la medida necesaria de la ausencia de convenios definición apropiada. En estas o nombres similares a día de hoy reunió a un gran número de autores y obras desde diferentes lugares y culturas, diferentes temáticas, rasgos estilísticos-morfológicas, metjerskih y poetičkih. A pesar de su insuficiencia, es un término que ahora tan extenso y aceptado en todas sus diversas formas, que no era conveniente cambiar. Además, todos los demás estarían condenados al fracaso, porque la apariencia visual en cuestión no estaría en condiciones de incluir en toda su complejidad. Ingenuo no, de hecho, está estrictamente definido movimiento artístico o un grupo de artistas y obras de correspondencia en forma, estilo, temas, o la poesía, se compone de varios creación de riqueza individual y sólo porque su definición conceptual simple imposible. En Croacia, el primero fue una creación de campesinos y obreros, artesanos y pequeños comerciantes, funcionarios y jubilados, la gente común de la gente (de ahí el nombre de una vez, y "arte popular"), pero los autores de mayor éxito eventualmente convertirse en artistas profesionales, que es innegable specificum nuestros ingenuos .




Emeric Fejes: Sv. Marcos, Venecia, 1956.

Primitivismo y naivitet no es la misma naiva como un fenómeno artístico. La torpeza de mano de algunos autores XVIII. y XIX. siglos, diversos actos anónimos, en Croacia postbarokni "hinterglasmalerei," las pinturas votivas, las formas de aficionados y provinciales (por lo general en una secuencia Biedermeier), podría decirse que las obras ingenua (completo y verdadero sentido del término), pero no ingenua, en el sentido de pertenencia a un segmento especial de visuales la creatividad, porque carecen de un estilo personal y los niveles de coherencia artística.




John Generalić: Flood, 1960.


En Croacia, el término implica creador naiva provenientes de aficionados, más o menos autodidacta, de modo que no con una multa de obtener una formación sistemática en las escuelas de educación artística y colegios, pero eso no impidió realizar su propio estilo y nivel de arte. El estilo individual y reconocible poéticas individuales siempre presentes los pintores ingenuos diferenciarse claramente de los numerosos ejemplos de amateurismo y el diletantismo, "Domingo" y "popular" de pintores y escultores, así como otros samoukih plural nerazlučene. ¿Cuántos artistas ingenuo no sabe el pleno las obras de construcción académica, para tenerlos siempre presentes un cierto "cambios en la escala y la perspectiva, así como las evidentes y numerosos" ilógica "la forma y el espacio. Evaluación positiva de tales propiedades podrían ser aceptados como una expresión de la imaginación creativa libre después de la experiencia de simbolismo, expresionismo, cubismo, surrealismo y otros movimientos y fenómenos Moderne. Esto indica claramente que la expresión naiva del siglo XX, y de conformidad con la sensibilidad moderna.



Mijo Kovacic: Porquero, 1967.



Ingenuo es el resultado de la democratización y la prueba de que las relaciones općedruštvenih y la creatividad artística. Se ve claramente que toda persona tiene derecho a expresarse artísticamente y para la escuela de arte por sí mismos no son una garantía de valor artístico, porque el arte puede ser ejercido sin ellos. En el racionalismo ingenuo presumir la emotividad y la especulación intelectual, en la mayoría de los casos naiva expresa la alegría de la vida y la victoria de la esperanza. Aquí descubrimos "la naturaleza olvidados" y "la niñez pasado, historias y sueños, imágenes vívidas y zamišljaje humanos simple, olvidado" maravilla del mundo y la alegría de los motivos. Pero no sólo las artes naiva y idilio Arcadia, expresa sólo la esperanza y la celebración de la vida, tiene en sí y las narraciones muklih, acordes oscuros y ktonskog, también encontrados en la ficción ingenua y trágicamente simbólico, y lo irreal, surrealista relaciones somnambulizam y la irrealidad, lo que significa que está compuesto muchas contradicciones, y la Vida.