sábado 28 de enero de 2012

Omar Ortiz

¡México lindo!

Entrevista a Omar Ortiz (Mexico) realizada por Ruben Reveco (Argentina)

detalles

“desnudez II”
oleo sobre lino
48 x 96 cm

detalles

pintando “el muro de sandorfi”

“el muro de Sandorfi”
oleo sobre lino
140 x 180 cm

detalles

“Twin Angles”
oleo sobre lino
96 x 140 cm

“Con mi obra -expresa Ortiz- intento brindar al espectador un espacio de paz y tranquilidad alejado de toda esa contaminación visual que vemos a diario en las calles y en la televisión.”

La pintura de Omar Ortiz

Omar Ortiz nació en Guadalajara, Jalisco, México en 1977, donde reside. Dibujó desde temprana edad y gracias a la motivación de su padre, cursó la Licenciatura en Diseño para la Comunicación Gráfica, donde aprendió a trabajar con diferentes técnicas: pastel, carboncillo, acuarela, acrílico y aerografía. Al terminar sus estudios, decidió dedicarse al mundo de la pintura impulsado por su promotor y amigo Francisco González. En el 2002 cursó sus primeras clases de óleo con la pintora Carmen Alarcon, la que considera su principal maestra.
Además de pintar (4 ó 5 horas diarias) tiene una empresa donde desarrolló un software de cartografía, para instalar en dispositivos GPS. Además de un mapa de México diseñado para actividades de campo.
Omar Ortiz es un pintor joven y con algunos obstáculos para superar en el empedrado y siempre sinuoso camino del arte. No obstante, tiene un futuro prometedor. En una entrevista para Resistencia Realista, habla sobre su pasión por el arte y en especial por el tema del desnudo femenino, el que considera como "una de las cosas mas bellas que existe".

-¿Cuál es la situación de la pintura realista en México?
La pintura realista en México creo esta inclinada en su mayor parte hacia el tema de lo figurativo. Hay una gran tendencia por un realismo mágico. En ocasiones he llegado a pensar que es un movimiento que ha nacido en México. A decir verdad, no podría emitir un juicio global de lo que está sucediendo en México en estos momentos ya que no soy un pintor muy involucrado en el medio. Más bien paso la mayor parte de mi tiempo en mi estudio pintando y no suelo ir mucho a exposiciones.

-¿Por qué centra todos sus esfuerzos en el desnudo femenino?
Porque creo que el desnudo femenino es una de las cosas mas bellas que existe y en cierta parte mi obra es un homenaje a la mujer. El cuerpo humano femenino ofrece un abanico infinito de expresión y sensualidad en el cual he concentrado mi trabajo. Es una búsqueda constante y apasionante por encontrar la perfección en el color, la forma y despertar en el espectador emociones con el mínimo de elementos en mis composiciones.
-La modelo parece ser la misma ¿podemos saber quién es la musa inspiradora?
Hay tres chicas que me han servido de modelos ultimamente: Vannesa Munguia, Jessica Munguia y Olga Kabada.
-Nunca mira al espectador, parece tímida...
No necesariamente tímida, más bien la modelo no sabe que estamos ahí, observándola en su momento de intimidad. Es un momento donde el espectador guarda silencio para no interrumpir aquella escena.

-¿Qué importancia le da trabajar en grandes dimensiones?
Mucha, creo que mis piezas logran más impacto cuando la figura tiene una escala real o aún más. Aparte de que la dimensión me permite trabajar mejor los detalles, siento más libertad al momento de pintar.
-Si algo podría criticarle a su obra es que pareciera que la temática es reincidente, ¿qué otro tema le atrae?
Por el momento no tengo interés en otros temas. Siento que aun me falta experimentar mucho es algo que es un poco complicado de explicar. Uno nunca sabe cuándo es el momento de cambiar, creo que no lo puedes predecir, simplemente sucede. Así que tal vez algún, día sin darme cuenta, cambie y comience a jugar con otros temas, ya que finalmente esto es un juego que debemos disfrutar.

-¿Qué otra variante considera que su pintura podría tener en el futuro?
Es una pregunta difícil, tal vez experimente con otro tipo de texturas, fondos, contextos, tipos de iluminación en la escena. Pero lo que creo que seguiré conservando es el tema de la figura.
-¿Qué opina de las diversas manifestaciones del arte contemporáneo?
Creo que el arte contemporáneo ha tomados caminos muy extraños. Algunas de estas manifestaciones cumplen con ciertas reglas de estética y son las que en lo particular me agradan y hay algunas otras que no termino por comprenderlas. Sin embargo, considero que todas ellas son validas, ya que son una búsqueda constante del ser humano por crear y expresar. Creo que cada quien es libre de expresar sus ideas en el soporte que más se acomode a sus necesidades.

-Creador o espectador, ¿qué le resulta más cómodo?
Yo me siento afortunado de poder jugar ambos roles. En ocasiones soy el artista y en ocasiones soy el espectador.
-¿Se puede vivir del arte en México?
Claro que sí. México es un país que tiene mucho talento. Yo siempre he dicho que si eres bueno en lo que haces tendrás éxito no importa donde te encuentres.

-Me podría nombrar algunos pintores mexicanos vivos que le gusten?
Me gusta el arte de Sergio Garval, Edgar Mendoza, Rafael Cauduro, Javier Pelaez y Miguel Carrillo.

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Para 2012 el Sivori apuesta por "artistas que merecen ser más conocidos”

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori se sumerge principalmente, en su agenda para el 2012, en el lenguaje del dibujo, el grabado y la escultura, una apuesta que pretende “dar voz a los que no tienen voz” y mostrar a aquellos que “merecen ser más conocidos”.
"Este año el criterio general ha sido hacer menos y dejar en exhibición mayor tiempo, dando cuenta de nuestro patrimonio y nuestros artistas. El cambio continuo de exposiciones no permite tener una apreciación más profunda sobre las obras" adelantó, en diálogo con Télam, María Isabel de Larrañaga, directora del Sívori, sobre la programación del 2012.

En este sentido, Larrañaga explicó que “el museo busca dar voz a los que no tienen voz. El ambiente del arte se maneja por modas, niveles sociales y hasta por cuestiones políticas. Para esa gente hay muchos artistas que no existen porque a lo mejor no los conocen o no se los enseñan en las escuelas de arte. Nosotros buscamos artistas que pensamos que se merecen ser más conocidos, por eso los mostramos”.
En esta línea de dar lugar a aquellos artistas que cuentan con menos espacios para mostrar sus creaciones, el museo apuesta por el dibujo y el grabado: "Las galerías aún no se interesan por algunas ramas del arte, porque todavía no llegó la `tendencia marcada desde afuera´. El dibujo y grabado son parte de lo que viene, por eso también nuestra dedicación con estos artistas”, deslizó.

Es así que la primera propuesta es la exhibición de las obras seleccionadas y premiadas en la última edición del Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano que integra diversas disciplinas y que para el museo implica una apuesta significativa y renovadora.
Para la directora del museo "no se necesitan coleccionistas privados para tener una gran colección. Las grandes colecciones suelen ser las del Estado, hay que tener más consideración por el patrimonio público".
Otra de las apuestas más importantes para el 2012 es la exposición del dibujante húngaro Lajos Szalay, cuyas obras iluminan temas vinculados con el arte, la literatura, la familia, la religión, la muerte, la enfermedad, la guerra y la paz, a través de secuencias que reflejan historias.
"Es interesante para los argentinos porque es el precursor, junto con (Sixto Aurelio) Salas, de una gran escuela de dibujo que formó a toda una generación de artistas. Se trata de un dibujante con una delicadeza impresionante y maravillosa", dijo Larrañaga sobre las obras del húngaro que se exhibirán desde el 2 de junio hasta el 15 de julio.

En sintonía con el dibujo y la pintura, entre el 21 de julio y el 20 de agosto, se exhibirán obras de Armando Donnini, alumno de Szalay, en las que el eje está puesto en la "terribilidad", algo que quedó sellado en su arte y resultó premonitorio en la manera en que el artista decidió quitarse la vida.
"Es uno de los dibujantes más finos e importantes de la Argentina. Hay que mostrarlo para que la gente se maraville", señaló la directora sobre Donnini, ganador en ediciones anteriores del Salón Manuel Belgrano.
Con otro perfil, la muestra de César López Osorno, del 11 de agosto al 9 de septiembre, revela a "un artista más figurativo, geométrico. Un hombre con una gran importancia en el arte nacional" argumentó Larrañaga sobre este artista que desde 1999 es Director General del Museo de Arte Contemporáneo (MACLA), y que suele ser "reacio" a exponer.

Por otro lado, una exposición "probablemente inédita" de Eduardo Jonquiéres reunirá, del 20 de octubre al 19 de noviembre, obras del artista plástico "ubicado en la corriente de los figurativos y poco conocido en Buenos Aires dado que vivió en París mucho tiempo", dijo.
Esta muestra será complementada con una exhibición que despliega las cartas que Julio Cortázar le escribió a él y su familia, entre 1951 y 1983, que rescatan la mirada de París del autor de “Rayuela”.
Por el Sívori también desfilarán obras de artistas ganadores en ediciones anteriores del Salón Manuel Belgrano como el pintor Ricardo Roux vinculado al expresionismo abstracto o Juan Carlos Láser,"en una especie de homenaje porque murió hace menos de tres años".
Así mismo se exhibirán obras de Alberto DelMonte "un tipo más actual y más conocido, aunque también falleció".

Continuando con los homenajes, el museo expondrá piezas del escultor Aurelio Macchi, desde el 24 de noviembre al 12 de febrero 2013: “se trata de un profesor de escultores, un hombre muy respetado, que también ya murió. Hizo muchos monumentos y trabajó con importantes artistas como José Fioravanti”.
“Otra de las joyitas es la exposición de Carlos Filevich. No es demasiado conocido pero es uno de los antecedentes de los que vinieron después”, explicó Larrañaga sobre la muestra que comenzará en septiembre de este artista que, durante sus escasos 34 años, desarrolló una obra enorme de las que se destacan sus xilografías.
En un plano didáctico exhibirán "La visita al museo, una mirada diferente", del 29 de septiembre al 14 de octubre, una muestra anual con trabajos realizados por alumnos de las escuelas públicas porteñas, en un intento de "sumar a los chicos al museo" avocándose a "las escuelas de los barrios más carenciados porque es ahí donde tenemos que trabajar", dijo Larrañaga.
Estas son algunas de las propuestas del Sívori, ubicado en avenida Infanta Isabel 555, que también incluirán grabado satírico, fotografía, pinturas de Fernando X. González y obras del arquitecto Rodolfo Sorondo con tintes puestos en las problemáticas sociales, entre otras.

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lunes 23 de enero de 2012

METROPOLITAN REABRIO PABELLON "MADE IN USA"

Por Gina Di Meo.
NUEVA YORK, 22 (ANSA) - El Metropolitan Museum of Art de Nueva York reabrió, después de una espera de diez años, el piso dedicado a la pintura y escultura estadounidense que completa el pabellón dedicado al arte "made in USA". Se trata de una colección única, por primera vez dispuesta sobre un solo piso, en orden cronológico y temático, que ocupa 26 habitaciones sobre un total de 18 galerías. Las nuevas galerías ahora inauguradas fueron reabiertas después de cuatro años en el ámbito de una restauración en tres partes, que costó en total cien millones de dólares y comenzó hace diez años. Las habitaciones situadas en el segundo piso del pabellón fueron restauradas según una reinterpretación contemporánea de las galerías de las Bellas Artes del siglo XIX, con techos en arco y luz natural que se filtra a través de nuevas claraboyas. La colección ofrece una nueva mirada sobre un tramo de historia del arte que va del siglo XVIII al XX. Un punto de vista de excepción con pintores como John Singer Sargent, Winslow Homer y Frederic Remington, que recorren las temáticas que marcaron la historia de Estados Unidos. Están las guerras, la esclavitud, la lucha por los derechos, los valores familiares, la inmigración. Sobre todo domina la figura por antonomasia de la historia estadounidense, George Washington, representado majestuosamente en la célebre travesía del río Delaware antes de la batalla de Trenton, en Nueva Jersey, el 26 de diciembre de 1776. La pintura Washington Crossing the Delaware" (1851), de Emanuel Gottlieb Leutze, es el pasaje de ingreso a toda la colección, un cuadro monumental de seis metros por doce que ocupa el espacio de dos galerías y se manifiesta de improviso ante los ojos del visitante con una perspectiva que recuerda la nave de una iglesia. Las otras dos pinturas ícono son "El corazón de los Andes", de Frederic Edwin Church, y "Las Montañas Rocosas", de Albert Bierstadt, ambas devueltas a todo su esplendor después de una larga restauración. El proyecto total de renovación del pabellón fue realizado por el estudio de arquitectura Kevin Roche John Dinkeloo and Associated LLP. La primera parte del proyecto fue completada en enero de 2007 con la apertura de las galerías dedicadas al arte clásico norteamericano. La segunda concluyó en mayo de 2009 y abarcó la restauración de la Charles Engelhard Court y el Period Room. Al completarse el tercer y último tramo, son visibles al público casi todas las 17.000 obras del pabellón norteamericano. "The American Wing" está compuesto por tres pisos más dos niveles intermedios: un museo en el museo, que gracias a un falso jardín con estatuas neoclásicas y una elegante cafetería se convirtió también en un lugar de reunión para los neoyorquinos. ACZ
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El Costa Concordia: un museo flotante con 6.000 obras de arte que se van a pique

Los salones, comedores, escaleras, suites y cabinas del crucero Costa Concordia albergaban 6.000 obras de arte, entre piezas de arte contemporáneo, antigüedades y xilografías japonesas. En espera de conocer a cuánto ascienden los daños ocasionados por el naufragio del buque frente a la Isla de Giglio, en Italia, EL IMPARCIAL ha podido saber que estas piezas artísticas estaban valoradas en, aproximadamente, dos millones de euros. Esta es la historia de un museo flotante que se va a pique.
Elena Viñas
22-01-2012
Tras el naufragio del buque Costa Concordia, y pese a que aún no se conoce el número total de fallecidos, el coste del siniestro ha sido estimado en 500 millones de euros. De esa partida, EL IMPARCIAL ha podido saber que dos millones de euros corresponderían al valor económico de las 6.000 obras de arte que decoraban el barco, en el que había piezas de arte contemporáneo, antigüedades y xilografías japonesas. Se trata de una estimación de la que ha hecho partícipe a este periódico Nicola Salvatore, director artístico de la empresa naviera Costa Crociere -propietaria del buque accidentado-. Al tratarse de una aproximación, matiza que "resulta complicado conocer con seguridad esa cifra", en referencia a las fluctuaciones del mercado del arte.

Encontrarse, obra del pintor valenciano Javier Garcerà.

De las obras que adornaban los espacios comunes y privados de la nave, 5.700 eran copias. El resto lo conformaban piezas originales entre las que, según Salvatore, figuraban “al menos 150 pinturas de pequeño y medio formato en las suites, serigrafías en varias cabinas y 40 grandes lienzo en espacios comunes como el teatro y las tres escaleras principales”. A todas ellas hay que sumar 24 objetos de cristal datados entre 1815 y 1859, jarrones de cerámica Zsolnayde los años 20, 50 y 60, y una colección de xilografías japonesas.

El interés de la empresa naviera por decorar sus naves de esta forma le ha llevado a considerar la inclusión de arte a bordo como una de sus marcas de identidad. Tanto es así que en su página web presume de que su colección artística representa "un testimonio histórico de la evolución del arte contemporáneo y del diseño en los últimos 60 años", ya que dispone de 4.000 obras originales y 50.000 copias en 14 naves.

Encuentro y disolución, obra del pintor Jordi García Pons.

Javier Garcerà, uno de los 300 artistas con los que se contó para decorar el Costa Concordia, valora para EL IMPARCIAL el modo en el que esta empresa naviera se ha volcado con el arte. "No hay duda de que ha llevado a cabo una fuerte inversión en arte" algo que, a su juicio, "no ocurre siempre que se dan proyectos de esta magnitud". Su obra Encontrarse llegó a bordo del barco después de que Salvatore le propusiera participar en la iniciativa, un proceso en el que participó el resto de creadores, entre ellos Iñaki Bilbao, quien también destaca a este periódico la buena sensación que le dejó aquella colaboración con Costa Crociere. "Tratar con esta empresa fue para mí una experiencia maravillosa, ya que me sentí en todo momento muy bien considerado", afirma este pintor, quien contaba con tres obras a bordo del barco: un mural titulado Parque de doña Casilda y dos pinturas que mostraban esquinas de edificios de Bilbao.

Lo mismo opina Garcerà, para quien la compañía fue “impecable” en el trato. "Me pagó por mi obra a precio de mercado, entre 15.000 y 18.000 euros, y me proporcionó los materiales para ejecutar el trabajo", comenta, al tiempo que recuerda que, coincidiendo con la botadura del barco en 2006, la empresa invitó a los artistas a un crucero de dos días que les llevó de Génova a Roma.

La ciudad de la concordia, del pintor italiano Fernando de Filippi.

El cuadro de este pintor valenciano, que describe como una pintura en la que "la forma queda muy diluida con el poso y en la que prima la abstracción y la figuración en el límite", poco tiene que ver con La ciudad de la concordia, firmada por Fernando de Filippi, de Lecce (Italia), quien comenta a este periódico sus impresiones. "Mi relación con Costa Crociere se remonta a la colaboración entre esta empresa y la Academia de Bellas Artes de Brera (Milán), que dirigí entre 1991 y 2009, para equipar el interior del Costa Concordia", explica. Convencido de que el barco podía ser considerado como una "galería de arte moderno", no se muestra igual de seguro sobre el valor total de las obras que contenía ya que, matiza, "está sujeto a las leyes del mercado".

Viaje por las ciudades europeas, obra del pintor italiano Aldo Spoldi

Las pinturas de Omar Galliani, Aldo Spoldi y Stefano Pazzi son otras de las que sirvieron para decorar el interior del barco, lo mismo que las de los españoles Jordi García Pons y Miriam Parra Zambudio, entre otros.

A ellos se unen los nombres de los escultores que también participaron en la iniciativa. “Había cuatro esculturas de grandes dimensiones, dos de ellas mías y otras dos de Wal y de Giovanni Smeraldi”, comenta Salvatore, quien describe así las piezas firmadas por él: "Una era una plataforma de columnas de bronce y hierro con símbolos e imágenes de Milán, y otra una serie de palomas de bronce que partían de una base y se distribuían a lo largo de la superficie de una pared". Ambas valoradas en unos 150.000 euros.

Garcerà, Salvatore y De Filippi no dudan en hacer constar a este periódico su pesar por losfallecidos en el siniestro, lo que no les impide hablar en calidad de artistas sobre qué supone perder estas obras. También lo hace Aldo Spoldi, autor de nueve paneles titulados Viaje por las ciudades europeas, cuando dice que, aunque los artistas tienden a ser "egoístas" al desear que sus obras sean contempladas lo más posible, esta vez no ha pensando "en ningún momento" en ellas. Lo mismo le ha ocurrido a Bilbao, quien confiesa que la pérdida de sus trabajos "no le ha dolido", ya que opina que "lo que el objeto pierde como valor material, lo gana como valor simbólico".

En opinión de Garcerà, “la vida de la gente no se puede comparar con una pintura o una escultura por muy sublimes que sean”, por lo que prefiere tomárselo con humor y pensar en el halo romántico que tiene la idea de que su obra esté hundiéndose en un barco de esas dimensiones. Algo parecido piensa Salvatore: “Creo que lo importante es destacar que ha muerto gente aunque, desde un punto de vista material y artístico, es cierto que el daño es ingente no sólo por la pérdida económica, sino en el sentido de que el valor cultural de esas obras faltará para siempre”. Pese a todo, mantiene la esperanza de que puedan recuperarse. “Esperemos que no se hayan perdido todas y que, incluso, pueda ser rescatada la mayor cantidad posible de ellas”, concluye. Una afirmación sobre la que difiere De Filippi, quien considera que, salvo las esculturas, "será difícil recuperar el resto de obras".

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domingo 22 de enero de 2012

Johnny Palacios Hidalgo

Callao Perú 1970

Johnny Palacios Hidalgo / Callao - Perú 1970

Estudios

1988 – 90 Dibujo y pintura en el Museo de Arte de Lima.
1991 – 98 Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima.

FUENTE

RENSO CASTANEDA

RENSO CASTANEDA ZEVALLOS

Biografia

- Nació en Lima Perú en 1970 - Graduado de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú en la especialidad de Pintura de 1989-95

- Obtiene en 1993 la Primera Mención de Honor en Dibujo en la promoción llamada Venancio Shinki -- -Conversatorio: El desnudo en una Pintura Contemporánea en la Escuela Nacional de Bellas Artes Rafael Rodríguez Padilla, Guatemala CA -1996

- Pintura, Escultura y Grabado, Museo de Arte Moderno, Quito, Ecuador

- Subasta Internacional de Reconstrucción de 2000, Museo de Arte Contemporáneo Sofía IMBER, Caracas, Venezuela 1999 -2002

- Perú pintores, Museo Histórico Nacional de Sao Paulo, Brasil

-2004 Cuenta con una pintura en la colección permanente del MoLAA (Museo de Arte de América Latina de Los Angeles, California, EE.UU.)

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

2007 - Obras Recientes, La Galería de Arte Pintadera, San Juan, Puerto Rico

2006 - Encuentro Nacional de la Unesco y la Galería de Arte Sebelen Santo Domingo, República Dominicana

2006 - Transitando ausencias, Galería Tamara, San Juan Puerto Rico 2004 - Apariciones, Galería Tamara, San Juan, Puerto Rico

2004 - Apariciones, el Museo de las Américas, Viejo San Juan, Puerto Rico

2003 - Evadir recuerdos, O & Y Gallery de Coral Gables, Florida, EE.UU.

2003 - cubierto con la piel, Galería Tamara, San Juan, Puerto Rico

2001 - Fragmentos Perpetuo, Galería Tamara, San Juan, Puerto Rico

2001-Momentos, Galería Praxis Arte Internacional, Lima, Perú

2000 - Estructura de los Sentidos, Galería Tamara, San Juan, Puerto Rico

1999 - Esperando Ilusiones, Praxis International Art Gallery, Lima, Perú

1999 - Remembranzas Instituto Guatemalteco de Cultura Hispánica, Guatemala, CA

1999 - Descubriendo los secretos, El Centro Cultural Coves, Quetzaltenango, Guatemala

1999 - Por el interior se hacia, Praxis International Art Gallery, Lima, Perú

1998 - Sin envoltorios, Centro Cultural Ricardo Palma, Lima, Perú 1996 - Aceites, Galería del Instituto Peruano Americana, Lima, Perú

EXPOSICIONES COLECTIVAS

Ha llevado a cabo aproximadamente 100 de los que destacar los siguientes:

2006 - Castillo Galería de Arte, San Juan, Puerto Rico.

2005 - Madelines Gallery, Nueva York, EE.UU.

2005 - Exposición de Arte de Nueva York, Wadeau Internacional. Javits CCENTER N. Y. EE.UU.

2005 - Galería Qbix, Philadephia, PA EE.UU.

2004 - Colectivo de exposición, la galería de la calle Luz, Baltimore, EE.UU.

2004 - Perú pintores, la galería de Avima, Alicante, España 2004 - Pinturas del Perú, Centro Cultural Cervantes, Tel Aviv, Israel

2003 - RomanceAntillano Galería Tamara, San Juan, Puerto Rico - Espíritu de Perú es la Galería de Arte, Filadelfia, EE.UU.

2002 - Pintores del Perú, Museo Histórico Nacional de Sao Paulo, Brasil - Perú Arte, Galería Internacional de Energía, Coral Gables, Florida, EE.UU.

2002- Perú Scapades, Sunjin Galerías, Singapur

2001 - Exposición de Pintura de la Asociación de Instituciones de Perú en EE.UU. y Canadá, Hotel Hilton,-Miami, Florida, EE.UU.

2001- FIA 2001 de América Latina de la Feria Internacional de Arte, Caracas, Venezuela

2000-Pinturas, Residencia del Embajador del Perú en Singapur Subasta Internacional de Reconstrucción de

2000, Museo de Arte Contemporáneo Sofía IMBER, Caracas, Venezuela

Galerias donde puede encontrar mis obras

Light Street Gallery, Baltimore , USA.

Qbix Art Gallery , Philadelphia, USA.

Wadeau Art International , Lyndsley Fraizer Art Dealer, New York ,USA.

Galeria de Arte Sebelen, Santo Domingo, Republica Dominicana.

Pintadera Galeria de Arte, SanJuan, Puerto Rico.

Blink Fine Art, San Juan , Puerto Rico.

Castillo Gallery, San Juan, Puerto Rico

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La Pintura Terminada

Renso Castaneda -2008

PINTURAS AL OLEO

Oleo sobre Lienzo , 90 x 70 cm. En el Jardin

Oleo sobre Lienzo , 50 x 60 cm. Sin Titulo

Pensando la pintura
“...Desde que vi a Sorolla ando pensando que sería interesante hacer cuadros costumbristas de la época, como la gente sentada en la puerta de la casa tomando el fresquito o, los niños jugando en las plazoletas o, los pescadores aficionados en el muelle cuando cae la tarde”.
Hay que teorizar, vale como estímulo y aprovecho un extracto de tu mail para ensayar, aunque mis opiniones sean tan recusables como las de cualquiera, y porque por muy aferrado a ellas que parezca sólo muriendo hoy, no aseguro que las cambiaré mañana.
Ensayo entonces:
No soy afecto a pensar imágenes de ese tipo en pintura, soy de la idea de que tuvieron su tiempo. Y su tiempo fue mientras no existió la fotografía (sin hablar ahora del Photoshop). Es admirable ver un cuadro bien ejecutado en empaste, gestualidad y color con cualquiera de esos temas, pero lo que más admiraría sería la ejecución, aunque extrañaría algo menos pasado de moda. Mejor dicho, un enfoque nuevo para esos mismo temas. Podríamos copiar a Sorolla, pero sería un infortunio repetirlo. El peligro además de un nuevo Sorolla es que no llegue a superar al antiguo, lo que probablemente no habría pasado con el auténtico porque él tomó lo que de nuevo le ofrecía su tiempo (el impresionismo), aprovechándolo a su manera sin traicionar ni lo suyo ni lo ajeno. .
El renacimiento no pintó como Giotto, éste no lo hizo como los bizantinos; estos no lo hicieron como los romanos que a la vez no lo hicieron como los griegos. En todas las culturas retrocederíamos para ver que lo precedente fue distinto; así, en arte puede admirarse todo lo hecho, pero hacia adelante se tenderá a lo diferente.
La función inequívoca del arte parece ser la terca afirmación de la libertad, cuya única garantía de vida reside en ese ejercicio destructor y a la vez constructor de un modo nuevo de sentir la realidad, de verla y de recrearla.

Nelson Castañeda

Más allá de toda especulación o tendencia en las artes visuales, la pintura artística, se diferencia de cualquier otro tipo de pintura, en que su práctica no corresponde necesariamente a una demanda, sino a la búsqueda personal de un mensaje visual, que trascienda al material usado en sí, emergiendo detrás de las formas y los colores y sus tonalidades, un contenido que invite al espectador a explorar un camino que se recorre a través de las manos del mismo pintor. Siempre basándose en las técnicas elementales de la pintura como lo es la composición, el equilibrio, ritmo, forma, color y valor.

La pintura es la expresión de ideas, pensamientos y sentimientos en el papel, madera, paredes etc. Para esto el pintor necesita una habilidad para pintar y además una situación en que se base, es decir, un conflicto, problema, o situación en la que este se encuentre.

"El pintor persigue la línea y el color, pero su fin es la Poesía" --Rembrandt Harmenszoon van Rijn.

Renso Castaneda -2008 - 2011

JAVIER ARIZABALO GARCIA

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

1989 Galeria "La Pecera", Irun
2011 Asamblea de Extremadura, Merida

EXPOSICIONES COLECTIVAS

2011
Galerie Archange, Paris; Galeria Mellado, San Lorenzo del Escorial (Madrid); Seleccionados en el Premis d'art Autocugat, claustro del Real Monasterio de Sant Cugat; Feria ARTEANDO en Irun; Alexander Gallery, Shanghai Art Fair; Galería Gaudí, ARTi11, La Haya
2010
Galerie Archange, Paris; Galeria Gaudi, Madrid
2009

Galerie Archange, Paris; Feria Puroarte, Vigo; Glasgow Art Fair (Gran Bretana); Art Open Fair, Utrecht (Holanda); "Algo mas que realismo III", Galeria Colours, Edimburgo; "Algo mas que realismo III", Agrupacion Artistica Aragonesa
2008

Galeria Gaudi, Madrid; Galerie Archange, Paris; Kunstart08, Bolzano (Italia); Art Open Fair, Utrecht (Holanda); DE-Fine Art, Atlanta (EEUU); Zantman Art Galleries, California (EEUU); Galería David W. Streets, California (EEUU); Galeria Clave, Cordoba; "Algo mas que realismo II", Agrupacion Artistica Aragonesa, Zaragoza; Lineart 08, Gante (Belgica)
2007

Galerie Archange, Paris; Art Pur & Fer Creations, Paris; Feria de Arte Artz, Zaragoza
1986
Sala de Exposiciones de la Caja de Ahorros Municipal de San Sebastian
1985
Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Portugalete

OBRA EN COLECCIONES DE

Arabia Saudi, Argentina, Australia, Brasil, Canada, Espana, Estados Unidos, Francia, Holanda, India, Italia, Portugal, Turquia, Rusia y Kuwait

BIBLIOGRAFIA

JAVIER ARIZABALO, Galerie Archange Éditions, 2008
ANUARIO ARTELIBRE, ARTE Y LIBERTAD IV y V, Editorial Comuniter, 2008, 2009 y 2010

POETS AND ARTISTS, Diciembre 2010, Editor Didi Menendez

JAVIER ARIZABALO GARCIA, Edita Asamblea de Extremadura, 2011

OTROS

1996/1999
Profesor de pintura en la Academia Municipal de Irun

http://www.javierarizabalo.com

Sergei Aparin

1992 - Group exhibition at the "Zemun Autumn Salon", Belgrade
1993 - One-man exhibition at the "Stara Kapetanija Zemun" Gallery, Belgrade
1993 - Awarded Prize at the Zemun Autumn Salon, Belgrade
1994 - One-man exhibition at the Kolarac Gallery, Belgrade
1994 - Group exhibition, Balkan Easterners Exhibition, Museum of Contemporary Art, Belgrade
1995 - One-man exhibition, Art expo International Exhibition, Budapest
1995 - One-man exhibition at "Arcade" Gallery, Budva
1995 - Participant at the Sićevo Art Colony '95, Niš
1995 - Group exhibition "Light and Water" included in the 36th "October Art Salon", Belgrade
1995 - One-man exhibition at the prestigious GSP Gallery, Belgrade
1995 - Group exhibition 22nd "Zemun Art Salon", Belgrade
1995 - Group exhibition "The Painted Scene", Cvijeta Zuzorić Art Pavilion, Belgrade
1996 - Group Show, "EUROP ART '96", Geneva
1996 - One-man exhibition at "Art media" Gallery, Belgrade
1997 - One-man exhibition at Gallery of Yugoslav Art, Belgrade
1997 - One-man exhibition at Centre international Art fantastica, Château Gruyére, Suisse
1998 - One-man exhibition, "Spinaker" Gallery, Herceg Novi
1999 - One-man exhibition at Forum Fribourg, Suisse
1999 - One-man exhibition at Centre international Art fantastica, Château Gruyére, Suisse
1999 - Group exhibition "Scent of Woman", Paris, France
2000 - One-man exhibition at "Fin Art" Gallery, Zug, Suisse
2002 - One-man exhibition at "Am Hof Gallery", Zug, Suisse
2003 - One-man exhibition at "Union of arts of Russia" Gallery, Voronezh, Russia
2004 - One-man exhibition at "Galerie de la Cathedrale", Fribourg, Suisse
2004 - One-man exhibition at "Sveti Stefan" Gallery, Sveti Stefan, Montenegro
2004 - One-man exhibition at "Spinaker" Gallery, Herceg Novi, Montenegro
2005 - One-man exhibition at ArtExpo, New York, United States
2005 - One-man exhibition at "Interart Gallery", New York, United States
2005 - Group exhibition "H.C. Andersen +", Castle Vorergaard, Danish
2006 - Group exhibition "Horizons", Villa La Ferdinanda, Artemino, Italy
2006 - Group exhibition "Culture a Confronto", Barletta, Italy
2006 - Group exhibition Salon of fantastic painting "Chimeria", Sedan, France
2006 - Group exhibition "Etre Ange, Étrange", Grand Palais, Paris, France
2006 - Group exhibition "Metaphisival Painting" - "Progres" Gallery, Belgrade
2006 - One-man exhibition - Retrospective, Art Point Gallery, Belgrade

Participation in Art Colonies:

1996 - Mont Atos, Chilandar, Greece
1998 - Mont Atos, Chilandar, Greece

Works in private collections in Russia, Serbia and Montenegro, Slovenia, Germany,
Netherlands, England, France, Italy, Swiss, USA, Canada
and at Museum "Centre international Art fantastica", Château Gruyére, Suisse