Promesas de la plástica mexicana

Vanessa Pérez
El Universal
Domingo 05 de julio de 2009
vanessa.perez@eluniversal.com.mx

Comenzaron las actividades para celebrar la edición número 29 del Encuentro Nacional de Arte Joven que reúne las mejores propuestas emergentes de la plástica mexicana.

La exposición será alojada en dos espacios simultáneamente: en la Galería José María Velasco, las obras plásticas; y en el Museo Ex Teresa Arte Actual, todo lo relacionado con las instalaciones y el videoarte.

El encuentro tiene como objetivo ser una plataforma de las diversas manifestaciones visuales que perfilen un sentido de contemporaneidad entre las nuevas generaciones del arte mexicano.

Esta ocasión participan más de 600 artistas de todo el interior de la República mexicana, con residencia principalmente en el DF, estado de México, Jalisco, Guanajuato y Aguascalientes.

En total, la muestra se compone de 62 piezas de diversas modalidades en el campo de las artes visuales; las cuales reflejan las nuevas temáticas, ideologías y técnicas actuales.

A pesar de que las propuestas presentan un abanico de ideas, todas desembocan en tópicos relacionados con la comunicación, publicidad, diseño gráfico, antropología y sociología.

La exhibición de la Galería José María Velasco se conforma de una serie de trabajos fotográficos y dibujos que muestran gran influencia del arte de los años 50 y 70.

Según Alfredo Matus, artista plástico y miembro del jurado del encuentro, el público podrá ver las corrientes artísticas, culturales y sociales de esa época como la sicodelia, el pop, el arte de los grupos y el hiperrealismo. Mientras que en la muestra del museo destacan los llamados arte-objetos que brindan la mirada de las escuelas del siglo XX y XXI.

Este año el jurado está conformado por los artistas plásticos Anuar Satala, Alfredo Matus y el promotor cultural, Carlos Jaurena. Entre los artistas participantes destacan: Rafael Mauricio Rodríguez, Yollotl Manuel Gómez Alvarado, Tania Ximena Ruiz Santos, Dan Montellano Herrera, Aldo Guerra Cota, Rodrigo Jesús Meneses Gutiérrez, Naomi Rincón Gallardo Shimada, Jesús Jiménez López y Oliver Esquivel Morales, entre muchos más.

“El encuentro está próximo a cumplir su trigésima versión, por lo cual esta selección de artistas y obras dan referencia de la madurez que ha cobrado el encuentro a lo largo de su historia además de presentar el estado de las artes visuales en México y su vinculación con las instituciones culturales”, señala Matus.

La edición número 29 del Encuentro Nacional de Arte Joven puede visitarse hasta el martes 14 de julio en el Museo Ex Teresa, ubicado en el Centro Histórico a un costado de Palacio Nacional.

Y hasta el domingo 26 de julio en la Galería José María Velasco de martes a domingo de 10 de la mañana a 5 de la tarde. Entrada libre.

El Museo de Arte Español Contemporáneo en Palma (Fundación March)

Si viajas a Mallorca probablemente dedicarás unos días a visitar Palma, vale la pena conocer la capital balear a fondo. Una de las joyas que podemos visitar, gratuitamente, en la ciudad de Palma es el Museu d’Art Espanyol Contemporani, que ofrece una colección permanente de 69 obras de arte español del siglo XX, de los autores más significativos de las primeras vanguardias.

Además, el Museo se encuentra en una zona muy frecuentada del centro histórico de Palma, la calle peatonal Sant Miquel (número 11), en un edificio del siglo XVIII, de estilo regionalista con aspectos de inspiración modernista. Un edificio arquitectónicamente muy bonito, con un típico patio mallorquín, que tras su última reforma y ampliación en el año 2003, ofrece un mayor espacio expositivo.

En museo cuenta con una excelente colección permanente (Pablo Picasso, Joan Miró, Juan Gris, Salvador Dalí, Miquel Barceló...) de los movimientos innovadores de mediados de siglo y de las generaciones más recientes.

Además, cuenta con salas para exposiciones temporales en las que se exhiben obras de autores contemporáneos nacionales e internacionales. Por ejemplo, desde el 15 de julio y hasta noviembre de 2009, se exhibe una colección de grabados de Picasso.

Inaugurado en 1990, dispone de un salón de actos para actividades culturales: cursos y conferencias, conciertos para jóvenes y otras actividades. El horario de apertura del Museu d’Art Espanyol Contemporani de Palma es de lunes a viernes de 10 a 18’30; sábados de 10’30 a 14h.; cierra domingos y festivos.

San Pablo en el Vaticano: Exposición de los Museos del Papa

Las palabras y la imagen del Apóstol de las Gentes en las colecciones pontificias

CIUDAD DEL VATICANO, domingo, 5 de julio de 2009 (ZENIT.org).- Los Museos Vaticanos, imán para cristianos y no cristianos, han decidido continuar con el aniversario paulino más allá del cierre del año de San Pablo. Los museos han inaugurado una nueva exposición titulada: "San Pablo en el Vaticano: Las Palabras y la Imagen del Apóstol de las Gentes en las Colecciones Pontificias", que continuará hasta el 27 de septiembre de 2009.

Situada en el Museo Pío Cristiano, esta exposición presenta más de 120 obras de diversas partes de las colecciones papales, algunas vienes de la Basílica de San Pablo Extramuros, mientras que otros objetos han sido cedidos por las universidades pontificias o la Biblioteca Vaticana.

Raros manuscritos y antiguas imágenes reconstruyen tanto la figura histórica de Pablo como el legado de sus cartas a lo largo de los siglos y los continentes.

La primera sección explora los descubrimientos recientes y antiguos sobre la tumba del Apóstol en la Basílica de San Pablo Extramuros. Un modelo de la antigua iglesia construida por Teodosio en el siglo V y una reproducción de la famosa losa, colocada en el sepulcro de Pablo con la inscripción de las palabras "Pablo, Apóstol, Mártir", dan testimonio de la antigüedad de la tradición del lugar donde fue enterrado Pablo.

Un espectacular sarcófago posterior al año 350, llamado "Sarcófago Dogmático", ricamente tallado con la primera imagen de la Trinidad en el mundo, y encontrado enterrado junto a la tumba del Apóstol, confirma el prestigio de su tumba.

Casi 30 objetos exploran el desarrollo de la iconografía de Pablo. Vívidas acuarelas de Monseñor Joseph Wilpert con imágenes de las catacumbas romanas, así como representaciones en piedra de sarcófagos, ilustran cómo el rostro y la historia de San Pablo se difundieron a través de la cultura altamente visual del mundo grecorromano.

Los objetos más encantadores de esta sección son los medallones de cristal dorado, preciosos souvenirs de los primeros peregrinos, con rostros de Pedro y Pablo grabados al agua fuerte en pan de oro entre planchas de vidrio. Esta iconografía de los nuevos Rómulo y Remo, confundidores de la nueva Roma cristiana, pronto se extendió.

La relación de Pedro y Pablo se analiza más a fondo en la exposición con la contemplación de las imágenes de San Pablo encontradas en la tumba de San Pedro. Desde el cimborrio del siglo XV de la Basílica, obra de Paolo Romano, que muestra la decapitación de Pablo, hasta la imagen de Pablo en las puertas de bronce que todavía adorna la iglesia, estas obras subrayan la amistad y la unidad entre el Apóstol de los Gentiles y el Príncipe de los Apóstoles.

La sección final contempla el testimonio de la palabra escrita. La inscripción cristiana más antigua, el Epitafio de Albercio de finales del siglo II, describe el peregrinaje del obispo de Hierópolis, que utilizó las cartas de Pablo "como mi guía". Versiones impresas de la Biblia que van desde los manuscritos iluminados de Carlos el Calvo en el siglo IX hasta la versión más moderna de la Conferencia Episcopal Italiana dan idea del legado de la palabra escrita por San Pablo.

La traducción alemana de la Biblia, de Martín Lutero, se une a los comentarios de Tomás de Aquino, y a los Evangelios eslavos, coptos, árabes, españoles, chinos y armenios ilustran la universalidad de las cartas de San Pablo.

Pablo, deudor de "griegos y bárbaros; sabios e ignorantes" (Romanos 1:14), complementa perfectamente el museo. El arte de la colección pontificia atrae a personas de toda condición y fe, aunque la exposición permite a Pablo predicar de nuevo como hizo una vez en el Ágora de Atenas y en la Sinagoga de Chipre. El mayor fruto del año paulino será que la gente continúe escuchándolo.

Por Elizabeth Lev, profesora de Arte y Arquitectura Cristiana en el campus de la Universidad Duquesne en Roma y en el programa de estudios católicos de la Universidad de Santo Tomas.

Un millonario de Miami apuesta por su "fábrica de artistas"

El millonario estadounidense Craig Robbins (izq) junto al fotógrafo Terry Richardson, en una fiesta en el Art Basel.

MIAMI (AFP) — El millonario Craig Robins, uno de los responsables de que la exposición Art Basel llegue anualmente a Miami Beach, es la figura tras el programa 'Art+Research', una especie de "fábrica de artistas" que busca impulsar el mercado del arte en la ciudad captando y potenciando jóvenes talentos.

El sueño de Robins, ávido coleccionista de arte, es que una moderna generación de artistas y maestros llegados desde Londres, Frankfurt, París, Bangkok o Nueva York y reunidos en Art+Research sean el motor que convierta a Miami en un centro de producción del nuevo arte internacional.

Al mismo tiempo, la apuesta le permitiría a este inversor vislumbrar si hay en gestación algún "genio en potencia", cuya obra pueda cotizar alto en el futuro.

El programa de formación artística, que sería prácticamente gratuito, se desarrolla en un plan de dos años de educación y con residencia en la Universidad de Miami.

"Estamos presupuestando unos 6 millones de dólares para cubrir los costos de los tres primeros años" dijo Robins a AFP.

Y agregó que la empresa 'Dacra Development' que preside "aportará un millón más para las instalaciones, además de participar en el presupuesto operativo".

Ese presupuesto permitiría tener en residencia a 12 artistas emergentes, subrayó.

Robins, un poderoso constructor inmobiliario, es además fundador de Design Miami, la exposición de objetos y muebles de diseño que se presenta al mismo tiempo que Art Basel cada año en Miami, en la que está asociado a los productores de la famosa feria originada en Suiza.

"Estoy muy comprometido con Miami. Y quiero invertir en la ciudad como un centro de cultura", continuó Robins.

Para desarrollarse culturalmente Miami tiene que nutrirse del talento de jóvenes artistas emergentes, que actualmente no posee, explicó.

Por eso, Robins está convencido de que el proyecto que ideó "es lo que Miami necesita" para potenciar un espacio propio en el mundo del arte.

El programa, que se inicia en 2010, va a estar conducido por un equipo internacional de artistas, curadores y críticos de renombre, que supervisarán un total de 25 artistas cada dos años en áreas que incluyen pintura, vídeo, diseño textil y fotografía, entre otras.

Entre ellos, el británico Liam Gillick, que expuso en el Museo Guggenheim de Nueva York y la 50 Bienal de Venecia, y Guadalupe Echevarria, directora de la Escuela de Bellas Artes de Burdeos, una de las más reconocidas de Francia.

"No va a ser un programa tradicional, con clases diarias de 9 a 5. Será algo flexible, fluído y diseñado para inspirar", comentó Robins.

Para enero de 2012, este inversor al que algunos le adjudican un papel importante en el 'boom' de South Beach en los 90, proyecta exponer su colección privada en un gigantesco espacio propio que proyecta levantar en el Design District, cercano al centro y considerado el futuro barrio artístico de Miami.

II Encuentro Internacional El Arte es Acción

El Ministerio de Cultura organiza el II Encuentro Internacional El Arte es Acción, que se celebrará los días 2, 3 y 4 de julio de 2009 y que tendrá lugar en el Teatro Valle-Inclán de Madrid, sede del Centro Dramático Nacional.

El proyecto está comisariado por Marcel•lí Antúnez Roca, conocido internacionalmente por sus performances mecatrónicas y sus instalaciones interactivas. Desde los años ochenta el trabajo de Antúnez se ha caracterizado por el interés en la condición humana: los miedos y los deseos del ser humano. Primero desde la performance tribal de La Fura dels Baus y más tarde en solitario a través de un tipo de obras que proponen sistemas complejos y que a menudo se convierten en híbridos sin categoría.

El II Encuentro Internacional El Arte es Acción reúne, por primera vez en España y en un mismo evento, una selección de los artistas más influyentes de la generación de la nueva performance creada y desarrollada a lo largo de los años noventa, cuya forma de producción artística ya no recaía sólo en el objeto y sus posibilidades de transacción sino que gravitaba en la presencia del artista.

En esta nueva edición de El Arte es Acción podremos ver el trabajo de siete performers, todos ellos en plena actividad creativa, que han generado gran controversia y debate, pero a su vez han inspirado a nuevas generaciones de artistas y pensadores. Además de sus acciones en el escenario, o fuera de él, nos ofrecerán la posibilidad de acercarnos a esta disciplina artística a través del diálogo directo con el público, para lo que se han programado proyecciones de los mejores trabajos del los performers invitados y encuentros en los que el público podrá debatir abiertamente con artistas como Elizabeth Stephens, Annie Sprinkle, Cuco Suárez, Franco B, Roberto Sifuentes, Guillermo Gómez Peña, Marcel•lí Antúnez Roca, Ron Athey, Tania Bruguera...

Programa y más información

II Encuentro Internacional El Arte es Acción
2, 3, 4 de julio de 2009 (jueves, viernes y sábado)
Teatro Valle-Inclán. Centro Dramático Nacional.
Plaza de Lavapiés s/n. 28012 Madrid
Entrada gratuita - Previa retirada en taquilla - Aforo limitado

Director's Journal: Sebastiano Mainardi

Learn about current IMA events with Melvin and Bren Simon Director and CEO Maxwell Anderson. This episode features a conversation with IMA Conservator, David Miller.

Behind the Scenes: Marlene Dumas: Measuring Your Own Grave

Marlene Dumas: Measuring Your Own Grave
December 14, 2008-February 16, 2009
The Museum of Modern Art, New York

The artist discusses the exhibition and her work.

Director's Journal: A Julianne Swartz Installation

Learn about current IMA events with Melvin and Bren Simon Director and CEO Maxwell Anderson. This episode features on-camera appearances by IMA Curator, Sarah Green and artist, Julianne Swartz.

El Anatsui's "Duvor": A New IMA Installation

The IMA new media team was on hand to capture the installation of El Anatsui's Duvor and grab some interviews with both curator and artist.

30 Seconds at MoMA: Stan Gregory

Stan Gregory works in the Art Handling & Preparation Department at MoMA.
30 Seconds is an ongoing series created by Thilo Hoffmann.
Hoffmann worked with MoMA members and staff to create short films based on their ideas and experiences in and around the museum.
For more information about the 30 Seconds series, please visit www.thilohoffmann.com.
© 2009 The Museum of Modern Art, New York

30 Seconds at MoMA: Tamsin Nutter

Tamsin Nutter works in the Marketing Department at MoMA.
30 Seconds is an ongoing series created by Thilo Hoffmann.
Hoffmann worked with MoMA members and staff to create short films based on their ideas and experiences in and around the museum.
For more information about the 30 Seconds series, please visit www.thilohoffmann.com.
© 2009 The Museum of Modern Art, New York

Dan Perjovschi, WHAT HAPPENED TO US?, at MoMA (Part 2) close

Projects 85: Dan Perjovschi, WHAT HAPPENED TO US?
The Museum of Modern Art
May 2–August 27, 2007

In his first solo museum show in the United States, contemporary artist Dan Perjovschi creates site-specific wall drawings at The Museum of Modern Art, New York. Perjovschi, who lives and works in Bucharest, Romania, makes witty and incisive social and political images in response to current events. His work has been featured in Biennials from Venice to Istanbul to Moscow.

Behind the Scenes with Pipilotti Rist, Pour Your Body Out (7354 Cubic Meters)

November 19, 2008-February 2, 2009
The Donald B. and Catherine C. Marron Atrium, second floor

Pipilotti Rist's lush multimedia installations playfully and provocatively merge fantasy and reality. MoMA commissioned the Swiss artist to create a monumental site-specific installation that immerses the Museum's Marron Atrium in twenty-five-foot-high moving images. Visitors will be able to experience the work while walking through the space or sitting upon a sculptural seating island designed by the artist.
© 2008 The Museum of Modern Art, New York

Jenny Holzer: Programming close

Jenny Holzer discusses the programming of her LED sculptures during the installation of the exhibition PROTECT PROTECT at the Museum of Contemporary Art, Chicago. Featured works include MONUMENT (2008), Thorax (2008), Purple (2008), Blue Cross (2008), Green Purple Cross (2008), and Hand (2008), among others. The exhibition traveled to the Whitney Museum of American Art, New York in March 2009.

Whether questioning consumerist impulses, describing torture, or lamenting death and disease, Jenny Holzer’s use of language provokes a response in the viewer. While her subversive work often blends in among advertisements in public space, its arresting content violates expectations. Holzer’s texts—such as the aphorisms “abuse of power comes as no surprise” and “protect me from what I want”—have appeared on posters and condoms, and as electronic LED signs and projections of xenon light. Holzer’s recent use of text ranges from silk-screened paintings of declassified government memoranda detailing prisoner abuse, to poetry and prose in a 65-foot wide wall of light in the lobby of 7 World Trade Center, New York.

VIDEO | Producer: Wesley Miller, Nick Ravich & Kelly Shindler. Interview: Susan Sollins. Camera & Sound: George Monteleone and Alexander Stewart. Editor: Jenny Chiurco. Artwork Courtesy: Jenny Holzer. Special Thanks: MCA Chicago and Karla Loring.

30 Seconds at MoMA: Joseph Militello

Joe Militello works in the Art Handling & Preparation Department at MoMA.
30 Seconds is an ongoing series created by Thilo Hoffmann.
Hoffmann worked with MoMA members and staff to create short films based on their ideas and experiences in and around the museum.
For more information about the 30 Seconds series, please visit www.thilohoffmann.com.
© 2009 The Museum of Modern Art, New York

Color Chart: Footage of Niele Toroni painting interventions at MoMA

Footage of artist Niele Toroni painting interventions as part of the exhibition Color Chart: Reinventing Color, 1950 to Today. For more information please visit http://www.moma.org/colorchart.
© 2008 The Museum of Modern Art, New York

Isabel Guerra, la pintora de la luz

UNA MIRADA AL INTERIOR DEL SER HUMANO

Mis lienzos buscan ser carta abierta a los hombres y mujeres de este tiempo, cuyas tumultuosas aguas forman imponente cascada que cae sobre el cauce estremecido del tercer milenio.
¡Ojalá pudieran ser carta dictada por el Sol que nace de lo alto! Una carta claramente iluminada por la Luz.
Isabel Guerra.

Expone cada tres o cuatro años. En el año 2000, el Ayuntamiento de Zaragoza patrocinó en la Lonja una exposición retrospectiva de toda su obra, con ocasión de las Fiestas del Pilar. Por allí desfilaron cientos, miles de personas. ¿Quién fue capaz de movilizar a tanta gente con un mensaje de belleza?




Quisimos conocer de cerca a esta pintora extraordinaria, y aprovechamos su estancia en Madrid, con motivo de su última exposición, en 2004, para charlar con ella. ¿Cómo es, qué piensa, cómo siente la sencilla mujer que tenemos delante?





Nombrada recientemente miembro de dos Reales Academias de Bellas Artes (1), es monja cisterciense, pero sobre todo –y eso es lo que nos convoca– es Pintora de la Luz...

–¿Cómo dirigirnos a usted? ¿Hermana? ¿Madre?

–Isabel. Yo me llamo Isabel.

¿A qué edad empezó a pintar?

Con dedicación exclusiva, a los 12 años. Antes emborronaba cuartillas y dibujaba las cosas que normalmente pinta un niño aficionado; de ahí que cuando por mi cumpleaños me regalaron una caja de óleos, tuve un impacto terrible. Aquello fue muy importante para mí y al día siguiente me puse con un afán loco a intentar pintar el hermosísimo paisaje que se ve desde los balcones de la casa donde nací, que es nada menos que la sierra madrileña... El mismo fondo que tenía Velázquez en su estudio, y donde ponía los retratos de los reyes. En ese lugar privilegiado pude iniciar mi profesión, y mi vocación.

–Hemos seguido de cerca su obra y a través de los catálogos comprobamos que esta obra se enriquece también con su palabra (2), ¿se complementan palabra y pintura a la hora de comunicar amores y emociones?

La pintura no nace para ser explicada, es una forma de expresión completa en sí misma, y también la palabra. Ambas pueden correr unidas y paralelas, pero no son complementarias. La pintura no debe tener explicaciones, de hecho los textos de los catálogos no son una explicación como tal de las pinturas, sino una forma más de expresarme. El arte llega inmediatamente, y si no llega, es que allí falla algo.

–¿Ha evolucionado Isabel Guerra en la presentación de sus últimos cuadros?

Sí, hay una evolución en cierta parte de esta exposición, una novedad para los que esperan habitualmente mis trabajos. Es algo que he hecho con mucho cariño y que me ha salido muy del corazón. Podía haber sido un riesgo porque tenía una línea muy marcada desde hace años, pero en general se alegran de mi nueva etapa, de que haya ideas nuevas; creo que eso es muy importante para un pintor. Pero no se debe plantear como una obligación, debe salir espontáneo, y en caso contrario no debe hacerse; cambiar por cambiar es falsear la propia obra.

–Los motivos concretos del encuadre, ¿surgen de su propia inspiración, o alguien se los sugiere?

No, nadie me sugiere nada. A un pintor, son la vida y su entorno los que deben sugerirle su obra, y sobre todo su emoción ante las cosas que le rodean y ante su propia intimidad. En mi caso sería mi relación con la Belleza –con mayúscula– que debe ser permanente, puesto que soy una mujer consagrada. Mi búsqueda es búsqueda de la Belleza, de la Luz, y búsqueda de la Bondad, la Verdad y la Hermosura, con mayúsculas, de donde emana toda belleza entre nosotros.

–¿Por qué se asoma tímido el exterior a las obras de Isabel Guerra?

Hay algunos cuadros que están en un paisaje abierto y otros que tienen una mezcla, que es un tanto irreal e imaginativa. No sé si es un asomarse tímido, o un no querer renunciar al aspecto de interioridad e intimidad que busco siempre. Ese aspecto de interioridad me interesa mucho, porque quisiera abrir camino a la gente, dar pistas de cómo encontrarse con uno mismo, con el propio yo; de lo que hoy en día muchos huyen, y no precisamente para su bien porque todo el que huye de sí mismo pierde la oportunidad de llegar a conseguir serenidad y coherencia, consigo y con los demás.

La aceptación de sí mismo la plasmo en esas miradas interiores que evocan una actitud reflexiva, incluso orante.

La imagen tranquila de las modelos parece sugerirnos un arquetipo femenino, ¿a dónde, o hacia quién dirigen su mirada esas adolescentes?

Estamos hablando de la mirada interior: nosotros estamos habitados por la Luz, por ese Alguien que es más íntimo a nosotros que nosotros mismos y que tenemos la posibilidad de poder descubrir y poder amar; vivir en permanente comunicación con Alguien –con mayúscula– que no solamente nos envuelve, sino que nos invade y está dentro de nosotros, que habita en nosotros.

–Nos impresionan esos primerísimos planos que reflejan una belleza interior, esas naturalezas muertas que no tienen nada de muertas, ¿quizá el tiempo acelerado que vivimos nos deja sed de sosiego y cercanías?

El hombre de hoy, lo sepa o no lo sepa, ¡claro que tiene sed y necesidad de paz, de serenidad, y de interiorización! La prueba es que son muchos los visitantes de la exposición que me comentan que esta pintura les da paz. Hay personas que lo agradecen de una forma mucho más efusiva, porque para ellos –según dicen– fue fundamental el impacto que sintieron al ver mis cuadros. Otros mantienen conmigo una relación permanente, me escriben y me comentan la evolución que han ido experimentando en su vida después de conocer mi obra.

Esto es lo más gratificante que le puede pasar a un pintor y es lo que verdaderamente da sentido a mi trabajo; y aunque no fuera más que por una persona, merecería la pena el esfuerzo de trabajar en lo que hago.

–Pasamos a algo mucho más concreto, ¿cuántas horas dedica al día en el sagrado oficio de pintar?

Nuestra vida y el horario monástico están muy organizados, pero cada día es nuevo y no siempre se hace lo mismo. Lo que ocurre es que yo suelo arañar muchos minutos al día, pues hay también tiempos libres que los dedico al trabajo. La pintura es muy exigente en cuanto a horarios y esfuerzo diario; la gente piensa que tiene que trabajarse cuando apetezca, o cuando se está inspirado, pero es todo lo contrario: la inspiración puede venir justo el día que menos apetece trabajar; a veces el día en que se está más cansado y uno cree que no va a hacer nada, es el día en el que más trabajo se resuelve y mejor queda. En esto hay que ser muy constante.

–¿Qué diferencia a un pintor de un artista? ¿Dónde está la línea que separa una simple pintura de una obra de arte?

Se puede hacer el cuadro perfecto y sin alma, igual que se puede tocar el piano magistralmente bien en cuanto a técnica, y no producir ninguna emoción en nadie; y al revés: se puede tener una técnica más deficiente pero tener una gran capacidad de transmitir sentimiento y emoción hasta llegar a arrancar lágrimas en los ojos de las personas que escuchan. Ésa sería la diferencia.

–Si entendemos el arte como expresión de la Belleza, ¿qué cree que piensa la gente de ese culto a lo feo que pone, por ejemplo, un ojo encima del otro?

A veces he escrito sobre ese culto a lo feo que vivimos hoy día. ¿Qué piensa la gente? Pues piensa de todo, somos muchísimos y en esto hay opiniones para todos los gustos, y además muy sorprendentes. Hay gente joven que aprecia la Belleza en sí misma considerada, pero es que no solamente está en las cosas bonitas, puede haberla en una escoba que tiene alma y esté bien iluminada. Lo bonito no es simplemente lo elegante.

–¿Diríamos que la Belleza está también en los ojos del que mira?

Un cuadro nunca está terminado cuando el pintor lo firma y lo deja en manos de alguien que lo cuelga en la pared de su casa, o en una galería de arte. El cuadro verdaderamente se completa con la mirada del espectador, y tendrá tantas lecturas y tantas formas de Belleza –o tantos desencuentros– como espectadores tenga. El cuadro siempre es algo que se termina entre dos: entre el pintor y quien contempla la obra, cuando percibe el mensaje. Ahí, en ese punto de encuentro, es donde se recrean verdaderamente Arte y Belleza.

El culto a lo feo está hoy en día muy arraigado en la sociedad, pero creo que no tanto en los posibles aficionados a la pintura cuanto en el bombardeo de los medios de comunicación que nos asedian con todo el horror que vivimos en el mundo. Pero creo que el Arte está llamado a dar pistas de esperanza.

Tenemos que abrirnos a esa posibilidad introduciendo en nuestro mundo imágenes con las que poder percibir que la Belleza es posible, y no sólo para el día de mañana, sino ¡para el hoy! Hemos de percibir que en esta vida no sólo está lo distorsionado y lo feo, sino que también hay muchísima belleza en torno nuestro, y que las cosas cotidianas que nos rodean también nos están hablando de armonía y de paz.

Podemos crearnos un entorno de serenidad, de amabilidad, o podemos crearnos un entorno brusco, desasosegado; pero eso depende de nosotros. Cuanto más introducimos nuestro desaliento ante lo que ocurre, ponemos más desaliento y fealdad en el mundo. Es un problema con el que nos despertamos cada día y es importante no desanimarnos nunca. Es cierto que es muy difícil; hay que reconocer que el hombre de hoy lo tiene difícil.

–Si imaginamos al genio del artista como una llama que va pasando a través de las épocas, para despertar en determinados corazones humanos, ¿de quién se sentiría íntimamente heredera en el arte de pintar?

Absolutamente de todos. Me siento heredera de todo el que haya hecho una obra importante y disfruto con todo lo bueno que se ha hecho en la Historia del Arte. No me siento seguidora de ninguna corriente en especial, intento siempre crear mi propio mundo, por modesto que sea; y con la suma de todos esos enormes valores, crear mi propia forma de hacer, de ver y de decir. Lo único que puede ocurrir es que por temporadas esté estudiando más a un pintor que a otro, pero –siempre pongo el mismo ejemplo– es como cuando se va a oír música y, según qué momentos, apetece oír Mozart, Beethoven, o Albéniz.

–Se ha dicho que un arte sin mensaje es como un sobre vacío de carta, ¿no hay demasiados sobres vacíos hoy en día?

A veces los pintores pueden correr el riesgo de trabajar en este oficio maravilloso de la pintura como en una profesión cualquiera, y hacer una serie de trabajos para cubrir su modo de vida, pero yo me atrevería a decir que esos pintores no son artistas. Si son artistas van a llenar ese sobre.

–Siendo académica en dos Escuelas de Bellas Artes, ¿tiene Isabel Guerra discípulos a los que transmitir su arte?

No, mi camino no es la docencia, nunca he tenido esa inclinación. Además una cosa son las Escuelas de Bellas Artes y otra son las Reales Academias de Bellas Artes, que son organismos que no tienen alumnos, no son docentes. La verdad es que muchas personas me comentan esto, pero está claro que mi camino no va por ahí.

–Volviendo a sus cuadros: al venderse solamente originales, ¿no es una pena que tan pocas personas participen de esa comunión permanente con la Belleza, encontrada en sus obras?

Una de las razones por las que se expone es también para que la gente pueda disfrutar, o no, simplemente ver el trabajo que se realiza. No se hace exclusivamente con el fin de vender cuadros, sino para dar a conocer una obra.

–¿No ha pensado editar sus trabajos en láminas o tarjetas que puedan difundirse con amplitud, a precios asequibles?

En las exposiciones siempre hay un catálogo donde aparece toda la obra. Existe también un libro que es recopilación de la obra anterior (3), y es posible que en el futuro puedan aparecer más publicaciones, esa puerta nunca está cerrada; también puede ser que en algún momento se hagan reproducciones de alguna obra en concreto, por alguna razón.

De todas formas, no hay nada como la pintura vista en directo. Las reproducciones son siempre un sucedáneo, a veces muy lamentable y lo importante no es comprar un libro del Museo del Prado, sino visitarlo. Lo importante no es tener el catálogo de una exposición determinada, sino visitar esa exposición e intentar que se produzca esa magia que comentábamos antes.

–Cada cuadro tiene su propia historia. Entre los de su última exposición, ¿hay alguno que sea su preferido?

Cada cuadro tiene su vida, y en cada uno pongo todo el interés y todo el corazón; es más, cuando lo termino casi siempre compruebo que no tiene nada que ver con lo que quería y lo escondería por cualquier lado... La verdad es que todos son muy queridos, es como si a una madre le preguntaran a qué hijo quiere más. He puesto mucha ilusión en estos últimos cuadros, en los que se aprecia una evolución clara, aunque forman parte de la continuidad de una obra.

–Si los cuadros son como hijos, ¿le duele desprenderse de ellos?

No, todo lo contrario, incluso para trabajar, prefiero tener las paredes del estudio limpias. Además, yo pinto para los demás, se trata de dar un mensaje, es como una carta abierta a los demás y me parece muy triste que el cuadro que se ha hecho con esa finalidad esté encerrado en un cuarto o en un almacén de la casa. Eso no es mi forma de sentir el tema; ya sé que hay muchos pintores que reconocen sentir pena al desprenderse de los cuadros, lo encuentro muy respetable pero no lo puedo compartir.

–Acostumbrada, como imagino que está, al silencio del monasterio (4), ¿cómo se siente, después de un mes en contacto directo con el público?

Llevo tantos años ya en estos contrastes, que se me hace de alguna manera familiar y forma parte de mi trabajo y de mi forma de vida. Cualquier artista se sentiría muy a gusto en el ambiente en que tengo el privilegio de vivir y trabajar, entre tanta paz y serenidad. Pero no hay problema, en cada exposición sé a lo que vengo, no es una sorpresa el lío de vida que es Madrid. Conozco esta ciudad, tan incómoda y agitada, pero a la que quiero muchísimo porque es el lugar donde nací y eso hace que me sienta muy a gusto y muy feliz aquí.

–Gran número de lectores de Esfinge admiran profundamente su obra, ¿cómo establecer un vínculo con todos ellos, un vínculo que permanezca? De corazón a corazón...

Yo les animaría a que fueran buscadores de esa paz de la que venimos hablando tanto rato, y que no pensaran que en el mundo sólo puede haber sitio para la melancolía y la tristeza, o que pensaran que las cosas bellas ya pasaron y sólo cabe la distorsión, el terrorismo, o la angustia... ¡No!

Les diría que estar en armonía con nuestro entorno merece la pena porque podemos ser mucho más felices. Pero sobre todo les diría que trataran de mirar hacia dentro para encontrarse con la Luz que nos habita.

Tras la contemplación de sus cuadros, y a poco de haber puesto de puntillas al alma, confirmamos que en Isabel Guerra se respira el olor del eterno saludo de la Vida. En silenciosa complicidad, brindamos por ese encuentro con la Luz que restablece para siempre la esperanza.

LOS MODELOS

–¿Haría falta poseer una cierta mirada interior para posar en sus cuadros?

Hacemos pruebas, pero no todo el mundo sirve para estos temas, ése es el problema; no cualquier persona tiene actitudes. Se puede ser una persona excepcional y sin embargo no dar una imagen que nos hable de interiorización; una cosa es la imagen que nos sirve para dar el mensaje y otra es la realidad de las personas.

–Últimamente no ha pintado niños, como otras veces.

No, ahora mismo me interesa mucho más la fibra interior, más adulta. Es algo que con lo que también se pueden decir más cosas.

–¿Por qué sólo figuras femeninas?

Me lo preguntan a menudo, pero es una realidad que todo el mundo prefiere la figura femenina en relación con la Belleza. A la hora de pintar, yo me muevo igual con la figura masculina, lo que ocurre es que pretendo que llegue a la mayoría de la gente, y lo femenino llega mucho más.

LA FIRMA

Mi firma es muy pequeña en los cuadros, pero es muy grande cuando firmo en los catálogos. En los cuadros en realidad sobraría; de hecho, cuando vamos a un museo y nos encontramos con un Greco, no necesitamos leer la firma, ¡lo vemos!, ¡es un Greco! La firma debe ser el halo, el todo del cuadro, lo que cada uno percibe inmediatamente en él. Pero hoy día la pide todo el mundo. Hay que ponerla, pero a mí me estorba, por eso procuro que no distraiga... Antes se me olvidaba siempre, pero ahora soy muy buena chica y la pongo en todos los cuadros.

(1) Isabel Guerra es Académica de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Luis y Académica Correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo.

(2) Revista ESFINGE nº 36, Junio 2003, Isabel Guerra, la belleza de la luz. Mª Teresa Cubas.

(3) Isabel Guerra, Pintora A.M. Campoy. Ediciones Galería Sokoa. Madrid, 1992.

(4) Monasterio Cisterciense de Santa Lucía. Zaragoza.

María Teresa Cubas

ENTREVISTA


La pintora Isabel Guerra, cisterciense, cuenta su vocación

En una magnífica entrevista de Elena Pita, la pintora Isabel Guerra, monja cisterciense, ampliamente conocida en el mundo artístico español, cuenta su vocación pictórica y religiosa para el Semanal de El Mundo, 7-XI-2004.

Transcribo algunas de las preguntas que se refieren específicamente al descubrimiento de su vocación religiosa. La pintora cuenta que fue una artista precoz y que experimentó su vocación artística siendo muy joven.


Belleza: fuerza de la brisa suave

Texto de Isabel Guerra, escrito para la Galería Sokoa, de Madrid

La belleza ha tomado una tienda como la nuestra, para que en la propia morada, acertemos a albergar su mismo resplandor.

Ella no se acerca a nosotros para abatirnos en el lodo de nuestras deformaciones y carencias, de nuestras oscuridades y regresiones. Viene a elevarnos de nuestra pobre condición, haciendo de nosotros su resplandor creciente.

No pretende denunciar la falta de luz de armonía usando la violencia. Busca recrear en nosotros la fraternidad con su mansedumbre.

No quiebra nuestra caña, herida por la debilidad de nuestras vacilaciones e inconstancias. Busca afirmarla con la energía que emana de su entrega hasta el extremo, hasta lograr que la''tierra abra su seno opresor, dando a luz definitiva a los que en ella yacen, cautivos de su tiranía.

Derrama, sí, su luz sobre nosotros, para que nuestras manos sean prolongación de su misericordia; nuestra voz, eco de su alegría infinita; nuestros pies, hacedores de caminos de libertad y de justicia; nuestra mente, creadora de un espacio más grato por donde recorrer el camino a la luz increada, donde habita su Verdad inmutable; nuestro corazón, el hogar del amor y la esperanza.

Porque somos llamados a la vida.

Sabemos que el poder de esa llamada vence cada día la degradación de nuestra humanidad. Sabemos que una tienda como la nuestra, será transformada en una morada permanente en el seno de la Luz. Saldemos que las fuerzas del mal y del abismo no pueden contra la fuerza de atracción de la gloria que un día se nos descubrirá.

Vivamos el amor solidario que deja pasar, por nuestras manos tendidas, el pan inagotable de sus bienes; que se empeña en transformar, con la ancha sonrisa de la confianza, el ceño de la desesperanza; que quiere vivir con decisión, y en plenitud, el camino propuesto como peregrinaje gozoso, que ofrece el aliciente de la superación, del encuentro de nuevos paisajes -no sospechados- que anuncian la eterna novedad a que conducen.

¡Aleluya! Está entre nosotros. Es la luz que llena la esperanza. Es la luz que ensancha en nosotros el deseo de la Vida. Es la luz que abre el corazón. Es la luz de la paz que desarma la violencia. Es la luz de la alegría que disipa las algarabías huecas y las pesadas tristezas. Es la luz que asume el dolor de todos para transformarlo en fuerza salvadora.

¡Alerta, está entre nosotros!

¿No lo notáis? Acerquémonos a la Belleza. Dejémonos iluminar por ella para irradiarla en torno nuestro, y podremos alcanzar la posesión de su infinita Verdad.

¡Alerta! Percibamos esa presencia. Está en nuestro entorno más cotidiano. En la brisa suave que nos envuelve y conforta. Sigamos la estela de su paso ante nosotros caminando tras ella por sus huellas. Cuando quiera, nos volverá su rostro; y descubriremos en él el profundo secreto de nuestra existencia.

¿Por qué gastar la vida
en broncas tempestades,
si está la Brisa
pasando siempre
ante la entrada de mi tienda?

Para contemplar otros cuadros
Isabel Guerra

beautiful losers

Contemporary Art and Street Culture
Edited by Aaron Rose and Christian Strike.~Essays by Alex Baker,Thom Collins, Jeffrey Deitch, Rene deGuzman, Carlo McCormick and Jocko Weyland.
The greatest cultural accomplishments in history have never been the result of the brainstorms of marketing men, corporate focus groups, or any homogenized methods; they have always happened organically. More often than not, these manifestations have been the result of a few like-minded people coming together to create something new and original for no other purpose than a common love of doing it. In the 1990s, a loose-knit group of American artists and creators, many just out of their teens, began their careers in just such a way. Influenced by the popular underground youth subcultures of the day, such as skateboarding, graffiti, street fashion, and independent music, artists like Shepard Fairey, Mark Gonzales, Spike Jonze, Margaret Kilgallen, Mike Mills, Barry McGee, Phil Frost, Chris Johanson, Harmony Korine, and Ed Templeton began to create art that reflected the lifestyles they led. Many had no formal training and almost no conception of the inner workings of the art world. They learned their crafts through practice, trial and error, and good old-fashioned innovation. Not since the Beat Generation have we seen a group of creative individuals with such a unified aesthetic sense and varied cultural facets. The world of art has been greatly affected by their accomplishments as have the worlds of fashion, music, literature, film, and, ironically, athletics. Over the years, the group has matured, and many have become more establishment-oriented; but no matter, their independent spirit has remained steadfast. Beautiful Losers is a retrospective celebration of this spirit, with hundreds of artworks by over two dozen artists, from precursors like Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, and Larry Clark, to more recent adherents Ryan McGinniss, KAWS, and Geoff McFetridge. Work in all conceivable mediums is included, plus reproductions of reams of ephemera. The accompanying essays are contributed by a half-dozen writers who have championed these beautiful losers from the start.tag=Beautiful Losers,Beautiful,Losers,Contemporary Art,Street Culture,Triennale,Milano,Milan,Art,Cultu re,Graffiti,Skate,Skateboard,Skateboardi ng,Underground,Independent,Music,DIY,Bas quiat,Henry Chalfant,Larry Clark,Robert Crumb,Glen E. Friedman,Futura,Keith Haring,Ari Marcopoulos,Raymond Pettibon,Pushead,Craig R. Stecyk III,Andy Warhol,Thomas Campbell,Cynthia Connolly,Cheryl Dunn,Shepard Fairey,Phil Frost,Phil Frost,Tommy Guerrero,Evan Hecox,Jo Jackson,Todd James,James Jarvis,Andy Jenkins,Chris Johanson,Spike Jonze,Harmony Korine,Kaws,Geoff McFetridge,Barry McGee,Ryan McGinley,Ryan McGinness,Mike Mills,Os Gemeos,Stephen Powers,Terry Richardson,Clare E. Rojas,Rostarr,Ed Templeton,Tobin Yelland"

ANTONI MIRÓ (Alcoi, 1944)

En la seua trajectòria professional, Miró ha combinat una gran varietat d'iniciatives, des de les directament artístiques, on manifesta l'eficaç dedicació a cadascun dels procediments característics de les arts plàstiques, fins la seua incansable atenció a la promoció i foment de la nostra cultura.

La seua obra, situada dins del realisme social, s'inicia en l'expressionisme figuratiu com una denúncia del sofriment humà. A finals deis anys seixanta el seu interès pel tema social el condueix a un neofiguratisme, amb un missatge de crítica i denúncia que, als setanta, s'identifica plenament amb el moviment artístic "Crónica de la realitat", inserit dins de les corrents internacionals del pop-art i del realisme, prenent com a punt de partida les imatges propagandístiques de la nostra societat industrial i els codis lingüístics utilitzats pels mitjans de comunicació de masses.

Arte Futurista

A arte futurista é o reflexo da velocidade e do movimento através das linhas e das luzes.
Música "The Fantasy" de "30 Seconds to Mars"